Dupa ce am adunat liste cu cele mai bune cantece din coloanele sonore ale filmelor din anii 1980 si 1990, o compilatie cu cea mai buna muzica de film din anii 2000 a fost doar inevitabila. In revizuirea optiunilor acelui deceniu, ceea ce a devenit rapid evident a fost ca popularitatea coloanelor sonore a incetinit semnificativ dupa inceputul secolului, cand platformele digitale le-au permis colectionarilor sa cumpere doar una sau doua piese pe care le doreau de la filmele pe care le-au iubit, lasand albumele curatate ca un pic de curiozitate, atragand in principal colectionarilor de media fizice persistente si cativa autori.
Cu toate acestea, exista inca o multime de coloane sonore grozave din care sa alegeti, chiar daca restrangerea unei liste la cele mai bune absolute necesita o ureche judicioasa si dorinta de a sacrifica favoritele personale pentru unii cei care multumim multi.
Dupa o cariera marcata de filme ale caror coloane sonore au prezentat clasici inradacinati, nu este surprinzator faptul ca John Cusack a oferit o selectie neintrerupta de bangeri pentru acest film despre proprietarul unui magazin de discuri din Chicago, pe care actorul l-a ajutat la adaptarea romanului cu acelasi nume Nick Hornby.
Gusturile eclectice ale lui Cusack sunt bine reprezentate in film, in timp ce personajele ii denumesc pe toti, de la Ryuichi Sakamoto la The Chemical Brothers. Dar aceasta lansare pe un singur disc contine piese clasice de The Kinks, The Velvet Underground si Love, alaturi de standardele nou create de Royal Trux, Stereolab si The Beta Band – a caror piesa „Dry The Rain” Cusack o foloseste cu atentie pentru a prezenta atractia irezistibila. a unui banger aleatoriu a cazut in rotatie pe un sistem de sunet al unui magazin de discuri in timp ce crezi ca faci cumparaturi pentru altceva (cum s-a vazut mai sus).
Adaptarea lui Mary Harron dupa American Psycho de Bret Easton Ellis a oferit un portret revelator al masculinitatii toxice si al consumerismului naprasnic, pe care l-a combinat cu o colectie de cantece care au condensat pop, rock si hip-hop din anii ’80 intr-un bufet de cele mai bune oferte. In plus fata de interpretarea lui John Cale a unei partituri elegante, bazate pe pian, coloana sonora oficiala include remixuri ale lui David Bowie, The Cure si Eric B. si legendarul „Platit in intregime” al lui Rakim, impreuna cu o minune de succes precum „What’s Society” al Societatii Informationale. On Your Mind (Pure Energy)” si nemuritoarea lui M/A/R/R/S „Pump Up The Volume”. Din pacate, niciuna dintre piesele Huey Lewis sau Whitney Houston, care provoaca omucideri, nu a ajuns de fapt pe coloana sonora, dar ceea ce le ia locul este mai mult decat suficient de bun pentru a ucide ringul de dans.
Omagiu adus de Gina Prince-Blythewood tuturor tinerelor care prefera sa faca sport decat sa se aboneze la stereotipuri de gen invechite a fost in sine o capodopera. Dar melodiile de pe coloana sonora au marcat o progresie catre varsta adulta care a depasit jam-urile jockului sau orice alta varietate anume. Folosirea sa de artisti contemporani de atunci precum Lucy Pearl, Donell Jones si Angie Stone a dat filmului o energie moderna, chiar daca colectia le-a amestecat intre hituri incontestabile, chiar atemporale, precum „I Like” al lui Guy, „I Want To” al lui Roger. Be Your Man” si „It Takes Two” de la Rob Base si DJ EZ Rock, incepator de petreceri.
Debutul regizoral al Sofiei Coppola a adaptat romanul omonim al lui Jeffrey Eugenides cu o tandrete si o imediatitate hipnotica, amplificata de un-doi pumnul unei partituri a trupei franceze Air si o coloana sonora cu unele dintre cele mai mari si mai bune hituri ale radioului AM din anii 1970. Raspandit pe doua lansari, partitura si coloana sonora, ai putea alege ce atmosfera vrei, dar „Playground Love” de la Air creeaza perfect melodiile in cascada, semi-melancolice ale pieselor precum „Hello It’s Me” de Todd Rundgren, „The Hollies” „The Air That”. I Breathe” si sfasietorul lui Gilbert O’Sullivan „Alone Again (Naturally)”.
Ar fi o crima sa excludem pe unul dintre cei mai mari iubitori de muzica ai cinematografiei, Cameron Crowe, dintr-o lista de coloane sonore in aproape orice deceniu in care a fost activ. Dar este usor sa recunoasteti mai mult decat semi-autobiograficul Almost Famous drept opusul sau magistral, iar coloana sa sonora tine mai mult decat pasul cu intimitatea si specificitatea sa. Sigur, exista piese precum „Tiny Dancer” care erau deja clasice pe care filmul sau le-a catapultat intr-o nemurire cinematografica stratosferica, dar in urma propriei sale calatorii de la „America” a lui Simon & Garfunkel la „Something In The Air” de Thunderclap Newman – cu o mana. de piese originale, asemanatoare cu sunetul indepartat, de la trupa de film, Stillwater, aruncate in buna masura — Crowe a surprins ceva cu adevarat special: coloana sonora a adolescentei asa cum se intampla.
Orice v-ati fi gandit despre abordarea minimalista a lui Lars von Trier de a spune povesti pe film, el a creat un triumf incontestabil cu acest muzical ciudat, mecanic si frumos, cu melodii compuse si create de Bjork. Folosind sunete diegetice din spatiile pe care le ocupa personajele din film, von Trier si Bjork inca evoca cumva un film muzical Technicolor care pirueteaza cu greutate si dexteritate egale, de la vibrantul „Cvalda” la meditativul „I’ve Seen It All”. ”, cu Thom Yorke de la Radiohead. A fost incontestabil un film pentru un anumit moment din istoria filmului, dar muzica i-a permis sa reziste.
Fratii Coen s-au dovedit deja cameleoni priceputi inainte de lansarea acestui film, dar semi-muzicalul lor din epoca Depresiei i-a facut si pe primii in topuri. L-am inrolat pe T-Bone Burnett pentru a crea o colectie de cantece care au fost fie cover-uri sau inspirate de cantece din perioada in care a fost plasat filmul. Ei au surprins un moment de neuitat in zeitgeist, cand muzica gospel si apalachiana au revenit exploziv, culminand cu originalul premiat pentru Grammy „I Am A Man Of Constant Sorrow”.
Bazat pe muzical de scena de Stephen Trask si John Cameron Mitchell, Hedwig and the Angry Inch urmareste nenorocirile profesionale si romantice ale cantaretului rock german omonim (Mitchell) navigand intr-o cariera muzicala care este furata de Tommy Gnosis (Michael Pitt), Hedwig’s. mult mai tanar amant si colaborator.
Intr-o oarecare masura, aceasta coloana sonora pare un pic ca o inselaciune – nu mai putin decat, sa zicem, muzica exceptionala pentru Dreamgirls a lui Bill Condon , oricum – din cauza pedigree-ului sau pe scena. Dar obscuritatea comparativa a materialului sursa al lui Mitchell si Trask si faptul de netagaduit al priceperii lui Mitchell de a regiza adaptarea lui pe marele ecran, il fac o adaugare mai mult decat demna la aceasta lista. „Originea dragostei” ramane una dintre cele mai frumoase cantece despre romantism inregistrate in ultimele doua decenii, in timp ce Mitchell si Trask, ca Hedwig si Gnosis, ofera contrapuncte perfecte pentru tete-a-tete muzical al filmului.
Adaptarea pe marele ecran facuta de Deborah Kaplan si Harry Elfont a benzilor desenate Archie si a seriei Hanna-Barbera cu acelasi nume si-a luat timp sa obtina statutul de cult dupa o alergare grea la box office. Coloana sonora a filmului, totusi, a folosit un sir de criminali de lumini pop, punk si pop-punk, de la Babyface la Letters From Cleo la Matthew Sweet. Rezultatul a fost o coloana sonora care nu numai ca se potrivea perfect trupei fictionale, dar se potrivea cu explozia acelui sunet punk-mall care era extrem de popular la momentul lansarii filmului.
Un loc pe locul apropiat pentru titlul de „capodopera postmoderna a deceniului” din acest film ii revine piesei A Knight’s Tale a lui Brian Helgeland , care a folosit un sir de jock jam-uri pentru coloana sonora a piesei sale din perioada comediei romantice din setul medieval, majorat. , dar Baz Luhrmann a fascinat cu usurinta publicul din intreaga lume cu acest muzical cu tonomat decor parizian despre un tanar poet infometat (Ewan McGregor) care face dragoste cu o actrita de cabaret (Nicole Kidman). Devotamentul lui Luhrmann pentru a-si asigura drepturile asupra pieselor alese a durat mai mult de doi ani, dar in cele din urma le-a folosit pentru a transforma unele standarde de buna credinta, de la „Nature Boy” al lui Nat King Cole la „Lady Marmalade” de Labelle, in standarde pop contemporane.
Alegerea unei coloane sonore dintre filmele lui Wes Anderson care sa-l reprezinte cel mai bine este o sarcina Sisyphean, dar legatura lui The Royal Tenenbaums dintre radacinile sale independente si publicul incrucisat il face candidatul evident si, probabil, cel mai merituos. Modul in care regizorul ii foloseste pe Nico si Nick Drake se aliniaza perfect cu interesul renastet al lumii pentru acesti artisti. Cu toate acestea, el reuseste sa reinvie piese precum „Christmas Is Here” de Vince Guaraldi pentru a-si servi studiile sale dulci, sumbre si discrete, intr-un mod care il face pe spectator sa-si doreasca sa le imbratiseze personajelor dupa ce le vedem trecand prin dezastrul lor, semi- ritmuri comice.
O alta adaptare la Nick Hornby, acest film – regizat de Chris si Paul Weitz ( American Pie ) – prezinta o partitura de Badly Drawn Boy, a carui ascensiune la scor si compozitor pentru film a reprezentat tranzitia dintre rockerii indie si alternativi in crestere si extindere ca artisti. Ceea ce nu inseamna ca cineva pretindea inca statutul de exceptie pe care l-ar fi evidentiat Jonny Greenwood in colaborarile sale cu Paul Thomas Anderson si altii. Dar Damon Gough nu numai ca a creat cateva melodii grozave si captivante (in special „Something To Talk About” si „Silent Sigh”, care surprind spiritul dulce-amarui, dar ireprimabil al filmului), ci si niste muzica instrumentala grozava pentru a surprinde o tranzitie importanta catre varsta adulta – nu doar pentru tanarul Nicholas Hoult, dar si pentru Hugh Grant ca fostul sau model de urmat.
Coloana sonora a celui de-al doilea film al lui Rick Famuyiwa (dupa filmul The Wood din 1999 ) surprinde in mod remarcabil sunetul inconfundabil si singular al rap si R&B din 2002. Mos Def, desigur, interpreteaza un personaj din film, oferindu-i o multime de oportunitati de a deveni poetic pe tema. microfon, dar „Love Of My Life (An Ode To Hip Hop)” de Erykah Badu este un omagiu total adus muzicii care formeaza coloana vertebrala a filmului. Intre timp, The Roots si Mary J. Blige sunt printre ceilalti artisti care contribuie cu piese care iti raman in memorie aproape la fel de bine ca si cele care i-au inspirat.
8 Mile , debutul semi-autobiografic al actoriei lui Eminem, a oferit o multime de oportunitati grozave pentru rapper, dintre care nu in ultimul rand a fost cel mai mare succes comercial si artistic al carierei sale muzicale. Dar a dus, de asemenea, la una dintre cele mai pure expresii ale creativitatii din istoria muzicii de film: piesa principala, „Lose Yourself”, a relatat hotararea disperata a lui Eminem de a arata lumii ce ar putea face, chiar daca ar fi trebuit sa stearga ceva anxietate… varsaturi conduse pentru a o face. I-a castigat si un Oscar. In plus, i-a permis lui Marshall Mathers sa prezinte in continuare unii dintre membrii echipajului sau D12, atragand in acelasi timp spectacole invitate de la Xzibit, Nas, Rakim, Gang Starr si 50 Cent, care si-au castigat propriul film biopic de prestigiu, Get Rich or Die Tryin’ , in 2005.
Nu chiar pe deplin supranumit Goodfellas brazilian , filmul revolutionar al lui Fernando Meirelles a oferit un strop de energie scaldat in soarele auriu al Sao Paulo, iar partitura sa de Antonio Pinto si Ed Cortes a surprins timpul si locul cu un specific viu care face povestea sa de neuitat. Dar, in combinatie cu aceasta partitura, Meirelles a folosit piese de Azimuth, Hyldon, Raul Seixas si altii pentru a se concentra in continuare asupra momentului dintre anii 1960 si 1980 in care personajele sai isi urmaresc ambitiile criminale nemiloase. In acest proces, coloana sonora ajuta la povestirea unei povesti autentice din punct de vedere cultural si muzical si la prezentarea publicului din intreaga lume in regalitatea muzicii braziliene pe care trebuie sa o cunoasca.
P. Diddy a produs coloana sonora pentru Bad Boys II si a organizat multi dintre cei mai mari artisti (trecuti, prezent si viitor) din industrie pentru a crea o colectie de cantece care, sincer, rezista mai bine decat orice alt aspect al filmele Bad Boys de-a lungul istoriei francizei. „Show Me Your Soul”, cu Diddy, Pharrell, Lenny Kravitz si Loon, este produs de Neptunes, la fel ca „La-La-La” de la Jay-Z. De acolo, „Shake Ya Tailfeather” i-a dat lui Nelly un alt hit, Beyonce a aruncat primul dintre ceea ce ar fi un sir neobosit de bangeri cu „Keep Giving Your Love To Me”, iar Justin Timberlake a continuat sa-si croiasca cariera solo cu „Love”. Nu Ma Iubeste.” Apoi a fost „Realest N*ggas”, care a reunit regretatul Notorious BIG si steaua care exploda atunci 50 Cent.
Edgar Wright seamana foarte mult cu Quentin Tarantino, Wes Anderson si chiar Sofia Coppola in acompaniamentul sau muzical extrem de specific si extrem de adaptat pentru filmele sale. Si a demonstrat asta de la inceput cu coloana sonora pentru Shaun of the Dead , care este un amestec non-stop de partituri si cantece. Desi exista cateva melodii originale, multe dintre ele sunt clasice si/sau obscuritati combinate in moduri unice pentru a-si prezenta creativitatea experta si unica. Ca el sustine „Don’t Stop Me Now” al lui Queen in Grandmaster Flash si „White Lines (Don’t Do It)” de Melle Mel si apoi combina „Zombi” al lui Goblin din Dawn of the Dead cu „Kenrkraft 400” de la Zombie Nation nu este nimic. scurt de o lovitura de geniu non-stop. Piese precum „Soft” de la Lemon Jelly din Chicago, intre timp, ofera interludii delicate si pauze in actiune care se potrivesc perfect cu manipularea magistrala a ritmului si emotiei a lui Wright.
Debutul regizoral al lui Zach Braff a trait de la succesul enorm al lansarii sale ca o comedie romantica prea des. Cu toate acestea, coloana sonora a definit un moment muzical aproape ca niciun altul din aceasta lista. In timp ce Badly Drawn Boy a acoperit aproape complet About A Boy cu muzica sa, Braff a licentiat melodii de la Coldplay, The Shins, Zero 7, Remy Zero, Thievery Corporation si multe altele pentru o privire de ansamblu asupra rock-ului la mijlocul anilor 2000, care s-a retras aproape imediat pe masura ce industria s-a impartit in subgenuri si platforme de streaming care au facut ca aprecierea muzicii monoculturi sa fie depasita.
La fel ca Wes Anderson, Quentin Tarantino le ofera intotdeauna colectionarilor de muzica ceva de care sa se bucure si sa exploreze, dar Death Proof — jumatatea sa regizorala din Grindhouse — pastreaza un echilibru unic in filmografia sa intre coloana sonora si partitura. Deschizandu-se cu „The Last Race” de Jack Nitzsche, Tarantino isi valorifica cunostintele despre filme si muzica pentru a explora subgenuri intregi ale muzicii, alaturi de clasici cum ar fi „Jeepster” de T. Rex si capodopere redescoperite precum Dave Dee, Dozy, Beaky Mick si „Hold Tight” de Tich. ”, care este folosit atat de expert incat nu o vei putea auzi niciodata fara sa-ti imaginezi soarta brutala a piciorului unei tinere.
Odata a captat imaginatia romantica a publicului sau la fel de mult ca si urechile lor. John Carney regizeaza aceasta poveste din Dublin a unui musicist ambulant (Glen Hansard) care se indragosteste de o tanara (Marketa Irglova) care ajunge sa faca muzica frumoasa cu el. Filmul l-a prezentat pe Hansard, liderul The Frames, unui public global, iar filmul a surprins, in esenta, timpul in care co-starurile s-au indragostit unul de celalalt in viata reala. Cantecul lor „Falling Slowly” nu numai ca a oferit lipiciul care leaga personajele pe ecran, dar i-a adus celor doi si un binemeritat Oscar pentru cel mai bun cantec original.
Chiar inainte de a recruta unul dintre gigantii pop si rock contemporani pentru a acoperi cele mai faimoase melodii ale lui Bob Dylan pentru coloana sonora, semi-biopicul caleidoscopic al lui Todd Haynes despre enigmaticul cantaret si compozitor s-a simtit ca un proiect artistic captivant. Eddie Vedder face o versiune a „All Along The Watchtower”, Karen O face un cover pentru „Highway 61 Revisited”, iar Jeff Tweedy canta „Simple Twist of Fate” pe discul unu, in timp ce Charlotte Gainsbourg reimagineaza „Just Like A Woman” pe discul doi. la „Knockin’ On Heaven’s Door” al lui Antony & The Johnsons. Este un album cu cele mai mari hituri care prezinta versiuni pe care nu le-ati mai auzit pana acum si este la fel de ascultat la nesfarsit, pe atat de surprinzator.
Nicolas Winding Refn si-a facut, in mod justificat, un nume international cu acest portret impresionist al criminalului britanic Michael Peterson (interpretat fascinant de Tom Hardy intr-un fel de spectacol cinematografic individual), care a fost fotografiat de directorul de fotografiat Stanley Kubrick Larry Smith si prezinta un eclectic, la nesfarsit fascinant. colectie de cantece de pe coloana sonora. „The Electrician” de la Walker Brothers deschide discul si filmul cu un ton amenintator de romantic, inainte ca melodiile lui Pet Shop Boys si New Order sa capteze energia nelinistita si sintetica a personajului principal al lui Refn. In cele din urma, foloseste multa opera si muzica clasica pentru a oferi filmului multa complexitate si profunzime emotionala pe care refuza sa le exprime in dialog sau povestire. Cu toate acestea, „Digital Versicolor” de la Glass Candy este cel care aduce filmul pe deplin in momentul prezent.
