Cu implinirea a 100 de ani de la lansarea Disney Brothers Cartoon Studio de Walt si Roy Disney , haideti sa aruncam o privire asupra celor 61 de filme clasice animate Disney lansate pana acum. Si daca te simti inspirat sa verifici unele dintre acestea pe Disney+, iata o lista cu tot ce este disponibil in prezent pentru a fi transmis in flux pe acel serviciu de streaming.

61. Chicken Little (2005)

Mijlocul anilor 2000 a fost un moment interesant pentru Walt Disney Animation Studios; abandonasera aproape complet animatia traditionala desenata de mana, studiourile satelit din Paris si Orlando inchizandu-si usile in liniste (in 2002 si, respectiv, 2004). A existat chiar si o incercare de a produce continuare la filmele Pixar fara implicarea lor, datorita unei lacune din aranjamentul lor original pe care Michael Eisner dorea sa o exploateze (a existat chiar si un studio de animatie suplimentar – Circle 7 – infiintat in Glendale pentru a se ocupa de continuare) . Si in aceasta perioada haotica, WDAS incerca sa se reinventeze ca studioul proaspat, nervos, generat de computer de maine. A fost la fel de dezordonat si fara scop precum studioul de animatie de cand a murit Walt si a fost marcat de acelasi tip de incertitudine creativa si financiara. Si in acest Chicken Little sa nascut. Acesta este un film care nu a avut niciun impact . Nu vezi plusuri ale personajelor in magazinele Disney si nici nu le vezi plimbandu-se prin Disneyland sau Walt Disney World dand mana oamenilor. S-a evaporat aproape din constiinta publicului si din motive intemeiate: este cu adevarat destul de rau. Gandita initial ca o poveste mai neconventionala despre o femeie Chicken Little si relatia ei cu tatal ei, ea s-a transformat de-a lungul anilor intr-un fel de comedie SF, cu „cerul cade” referindu-se la o invazie extraterestra. ( Bine .) Mark Dindal , care a regizat anterior profund genialul The Emperor’s New Groove , se simte pierdut din cauza dimensionalitatii suplimentare, iar animatorii, care invata o metodologie complet noua, nu sunt tocmai in jocul lor. Acesta este probabil cel mai urat film Disney vreodata.

60. Vulpea si cainele (1981)

Draga doamne, acest film este plictisitor . Este oarecum important din punct de vedere istoric, deoarece a fost ultimul film la care au lucrat unii dintre legendarii noua batrani ai lui Walt, care apoi au predat sarcinile de animatie unei noi generatii de artisti talentati, multi dintre ei fiind responsabili pentru modelarea urmatoarelor generatii. a filmelor animate Disney (printre acestea: John Lasseter , Tim Burton , Ron Clements , John Musker , Mark Dindal si Brad Bird ). De asemenea, a fost de remarcat faptul ca, in timpul productiei, Don Bluth , unul dintre animatorii vedete ai companiei si cineva pe care multi il vedeau drept mostenitor al lui Walt Disney, a organizat o dezertare majora cu alti cativa animatori si a parasit studioul, lucru care a afectat efectiv productia. (cu 17% din personal plecat, data lansarii a fost amanata de la Craciunul anului 1980 pana in vara anului 1981). In mod clar, tensiunea creativa dintre vechea garda si noua grupa de animatori si-a pus amprenta. Poti simti un film mai bun incercand sa iasa de sub fatada draguta si stanjenitoare a lui The Fox and the Hound, dar, din pacate, nu se intampla niciodata. (Si imaginati-va doar daca ar fi trecut printr-o secventa care implica un joc de baza Charo ca o macara cantand o melodie numita „Scoobie-Doobie Doobie Doo, Let Your Body Turn Goo.” De fapt, poate ca ar fi fost incredibil.) Sigur, este dragut, dar iti poti aminti ceva in afara de secventa atacului ursului si Pearl Bailey cantand „Best of Friends?” Nu am crezut.

59. Home on the Range (2004)

Pentru o vreme, s-a parut ca Home on the Range va fi ultimul film animat traditional pe care Disney l-ar lansa vreodata. Si daca asta ar fi fost adevarat, ar fi fost o deces cu adevarat fara glorie. Home on the Range , imaginat initial ca un western supranatural ambitios numit Sweating Bullets (a intrat in productie la scurt timp dupa Hercules ), sa mutat curand intr-o comedie muzicala cu trei femele ( Rosanne Barr , Judi Dench si Jennifer Tilly ) care incearca sa opreste un valtor de vite (jucat, in zilele sale de scadere de sanatate mintala, de Randy Quaid ). Nu este de gluma, este o pierdere uriasa de timp – lipsita de umor, slabita si cu desene si fundaluri lipsite de imaginatie. Singurul punct culminant (si unul relativ slab la asta) este marele numar muzical al raufacatorului, „Yodel-Adle-Eedle-Idle-Oo”, care cel putin ii vede canalizand unele ciudatenii Disney timpurii. Din fericire, ar exista mai multe filme de animatie traditionale lansate de Disney, asa ca chiar si locul sau in canonul istoric Disney a fost diluat.

58. Dinozaur (2000)

Daca se dovedeste ca remake- ul Regele Leu al lui Jon Favreau foloseste placi de actiune live pe care animatorii le vor suprapune apoi personaje hiperrealiste (si nu pot obtine confirmarea ca acest lucru a fost complet exclus), trebuie doar sa stiti ca exista un precedent pentru acest gen de lucruri. Si ca este ingrozitor . Aceasta a fost pretentia din spatele Dinosaur , un experiment indraznet, ambitios si complet plictisitor care a fost o productie gestionata atat de Walt Disney Animation Studios, cat si de The Secret Lab, o casa hibrida de efecte si animatie pe care Disney o infiintase intr-un stadiu avansat. -facilitate de arta langa aeroportul Burbank. Ceea ce a inceput in 1988 ca un proiect stop-motion, care urma sa fie regizat de Paul Verhoeven cu animatie supravegheata de legendarul Phil Tippett , a devenit curand o poveste destul de usoara despre familie si supravietuire redata intr-o animatie pe computer complet neconvingatoare si datata instantaneu. Primele zece minute ale filmului, o odisee fara cuvinte care a urmat un ou in timp ce urma sa fie clocit, sunt magnifice, dar restul… nu atat de mult. Totul este atat absurd (atatia lemuri ) cat si banal; este un film care are cele mai mari mize posibile (sfarsitul lumii), dar nu poate aduna multa energie sau investitii emotionale. Filmul, lansat la cateva saptamani dupa specialul BBC Walking with Dinosaurs (care a folosit literalmente aceleasi placi de actiune live si abordare a personajelor animate), a simtit ca stirile de ieri chiar inainte de a iesi. Extinctia nu a putut veni destul de curand.

57. Bolt (2008)

Walt Disney Animation in cea mai inofensiva echipa, Bolt prezinta o echipa talentata in spatele camerei, inclusiv viitorul regizor al lui Big Hero 6 , Chris Williams , echipa de creatie Tangled formata din Byron Howard si Nathan Greno si un scenariu co-scris de creatorul This Is Us , Dan Fogelman. , dar ii lipseste ceva foarte interesant, fie din punct de vedere tehnic, fie din punct de vedere al povestirii. Faptul ca este deloc coerent este ceva un miracol, avand in vedere ca productia sa s-a aliniat indeaproape cu controversata campanie „Salvati Disney”, care s-ar termina cu Michael Eisner fiind inlaturat si Bob Iger platind o suma importanta pentru Pixar si principiile sale creative . ruleaza toata productia animata Disney. Initial, filmul se numea American Dog si era scris si regizat de Chris Sanders , geniul intepator din spatele Lilo & Stitch si un artist de poveste Disney de multa vreme (storyboard-urile sale pentru Regele Leu va vor face sa scada gura – si acestea erau doar storyboard-uri). Acel film, daca ar fi vazut lumina zilei, ar fi fost prevestit ca o capodopera inedita, observa-mi cuvintele. Dar noul sef John Lasseter , aflat acum responsabil de animatia Disney, precum si de Pixar, nu i-a placut Lilo & Stitch si a considerat ca povestea cainelui american era prea problematica (nu putea trece peste ideea ca oamenii ar putea intelege animalele atunci cand erau vorbind cu ei). Sanders a fost usurat, noua echipa (extrem de talentata) a fost instalata, iar naratiunea a devenit mult mai simpla si mai putin mofturoasa. Bolt este de lucru, cu siguranta, si probabil ca este un lucru bun, pentru sanatatea generala a studioului, ca a urmat o cale mai conventionala. Dar American Dog (impreuna cu altii cativa) ramane un ce-ar fi al naibii de tangibil, daca asta il face pe Bolt sa arate mai putin ca un film decat este deja, in bine sau in rau.

56. Oliver & Company (1988)

Daca te-ai intrebat vreodata de unde au inceput filmele DreamWorks Animation dureroase, ei bine, iata un loc bun pentru a incepe. Initial prezentat de animatorul Pete Young intr-una dintre infamele intalniri de prezentare „Gong Show” ale lui Jeffrey Katzenberg , in care animatorii aruncau idei si ideile proaste erau „eliminate” din camera (testul era pur si simplu „Oliver Twist with dogs”). , a starnit dorinta lui Katzenberg de a face un film cu buget mare din standardul Broadway Oliver ! in timp ce la Paramount Pictures. Acum ar putea s-o faca! Cu caini! Desi un succes modest la box office, filmul este o dezamagire creativa (si multi de la Disney au impartasit aceasta parere la acea vreme). Geanta de muzicieni pop si personalitati muzicale s-a introdus in film (printre ei: Billy Joel , Huey Lewis si Bette Midler , care era ceva un staruitor Disney la acea vreme) intr-o incercare disperata de relevanta contemporana a creat un vibe mai putin coeziv. . Este demn de remarcat faptul ca acesta este primul film animat Disney care prezinta abilitatile lirice ale legendarului Howard Ashman , care, impreuna cu Alan Menken , va deveni o componenta cheie a popularitatii reinnoite a Disney la sfarsitul anilor 1980 si inceputul anilor 1990. A fost, de asemenea, primul film care a renuntat la vopseaua reala; filmul a fost colorat in mare parte de sistemul CAPS care a fost dezvoltat cu ajutorul unei firme de calculatoare aflate in dificultate din California de Nord, numita Pixar. ( The Rescuers Down Under ar fi primul film care utilizeaza complet procesul.) Desi acestea sunt deosebiri interesante, nu adauga nimic la placerea reala a filmului, care se simte schiopat si dezarticulat.

55. The Black Cauldron (1985)

Acest film este groaznic, dar povestile care au iesit din el sunt dincolo de delicioase. Mai mult de zece ani de pregatire (drepturile au fost optionate pentru prima data in 1971, iar Disney a recastigat drepturile anul trecut), The Black Cauldron a fost primul film de animatie Walt Disney care contine imagini generate de computer, primul care a avut o coloana sonora Dolby Digital, primul care a fost evaluat PG si primul care a folosit pe scara larga 70 mm de la Frumoasa Adormita in 1979. A fost punctul culminant al perioadei post-Walt; productia a fost risipitoare, exorbitanta si neconcentrata din punct de vedere creativ. Si asta s-a intamplat inainte ca Roy Disney , nepotul lui Walt si un membru cheie al consiliului de administratie, sa vada o parte bruta a filmului si sa fie ingrozit de ceea ce a vazut ca fiind o violenta excesiva. El a sugerat sa taiati secventele sangeroase, dar conform filmului Disney War al lui James Stewart , i-a marturisit producatorului Joe Hale: „Pur si simplu nu inteleg povestea”. Dar asta nu a fost nimic in comparatie cu reactia pe care a provocat-o in Jeffrey Katzenberg, noul sef al animatiei care il urmase pe Michael Eisner de la Paramount. „Acest lucru trebuie editat”, a proclamat el. „Filmele de animatie nu pot fi editate”, l-a informat Hale. Katzenberg a intrat in sala de editare si a trebuit sa fie discutat de Eisner, care l-a informat ca Roy se poate descurca cu situatia. Filmul a fost amanat cu un an, mai mult din materialul inacceptabil eliminat si dialogul suplimentar inregistrat. Cand Roy a aparut la The Today Show si a fost intrebat care este filmul, nu a putut spune. Cand filmul s-a deschis in sfarsit, a pierdut la box office in fata filmului The Care Bears . Domnia Disney s-a incheiat oficial. Ajunsesera la fund. Si vizionand filmul acum, nu rezista mai bine. Este inca urata si confuza, cu modele simpliste (si asta dupa ce l-au convins pe Milt Kahl sa iasa la pensie sa faca o conceptualizare suplimentara). John Hurt in rolul Regelui cu coarne, totusi, este chestie de cosmaruri si este cu usurinta unul dintre cei mai infricosatori (si mai subutilizati) raufacatori Disney vreodata (obisnuia sa existe o versiune audio animatronic foarte infioratoare a personajului in Tokyo Disneyland – YouTube it) . Cazanul Negru este un esec nobil, dar asta nu il face mai interesant sau mai vizionabil.

54. Saludos Amigos (1942)

Primul dintr-o serie de „filme pachet” mai usor de gestionat din punct de vedere economic care ar putea fi produse utilizand resursele diminuate ale studioului in timpul celui de-al Doilea Razboi Mondial (cand studioul Burbank a fost ocupat de personal militar si a produs o serie de filme educationale) si primul film inspirat de turneul de bunavointa al lui Walt, sponsorizat de guvern, in America de Sud (mai multe despre asta mai tarziu), Saludos Amigos este mai fascinant decat iubitor. Filmul se remarca mai ales prin prezentarea plina de culoare a lui Jose Carioca (cu vocea lui Jose Oliveira ), papagalul brazilian, iubitor de trabucuri si iubitor de samba, care a servit drept confederat al lui Donald Duck. Dintre segmentele filmului, cel mai memorabil este „Pedro”, despre un avion antropomorf care livreaza corespondenta in Chile (el urmeaza o cale similara cu cea pe care a urmat-o Walt). Aceasta secventa a fost atat de buna, de fapt, incat a fost lansata ca scurtmetraj de sine statator de catre distribuitorul de atunci al Disney, RKO.

53. Trei Caballeros (1944)

Urmarirea lui Saludos Amigos si a celui de-al doilea „pachet de filme” al lui Disney din perioada celui de-al Doilea Razboi Mondial, care va fi inspirat de ambasadorarea lui Walt in America de Sud. (Pe scurt: Departamentul de Stat, disperat sa obtina sprijin in America de Sud, l-a trimis pe Walt intr-un turneu de bunavointa in regiune. Walt, care a adus o echipa mica de artisti, a vazut-o ca pe o modalitate de a-si reincarca bateriile in mod creativ.) Trei Caballeros este versiunea mai distractiva si mai energica a Saludos Amigos si are un alt personaj cu totul nou care i se va alatura lui Jose si Donald: Panchito Pistoles ( Joaquin Garay ), care trebuia sa reprezinte cultura mexicana. De asemenea, a introdus Aracuan Bird, o pasare ciudata din America de Sud, de origine nedeterminata, care va continua sa faca mai multe aparitii alaturi de personajele mai populare. Desi este considerat unul dintre clasicii animati de la Walt Disney Animation Studios, filmul prezinta o utilizare liberala a filmelor de actiune live, majoritatea fiind prezentand personalitati culturale populare din acea vreme (Aurora Miranda , Dora Luz etc.). Acesta este un film plin de viata si ciudat, mai ales in timpul secventei caleidoscopice „Donald’s Surreal Reverie”, care este mai dezamagitor decat orice facuse studioul in afara secventei „Pink Elephants on Parade” din Dumbo si tot Fantasia . Three Caballeros a avut o umbra surprinzator de lunga, de asemenea, datorita in mare masura aspectului lor (complet cu covorul magic din sectiunea „Mexic: Patzcuaro, Veracruz si Acapulco” a filmului) in Gran Fiesta Tour cu cei trei caballeros, atractia. in inima Pavilionului Mexic din Epcot Center’s World Showcase la Walt Disney World. Ole !

52. Faceti cunostinta cu Robinsons (2007)

Aceasta este o caracteristica ciudata de tranzitie din istoria companiei. In timpul productiei, Disney a anuntat ca achizitioneaza Pixar si ca John Lasseter, regizor vizionar si mare pixar Pixar, va fi la conducerea tuturor filmelor animate. Cand i-a vazut pe Meet the Robinsons , l-a incoltit pe regizorul Stephen Anderson si i-a spus cum ar putea fi imbunatatit filmul. (The New York Times sustine ca intalnirea a durat sase ore .) Filmul a ajuns sa fie respins, iar filmul a fost puternic reproiectat (ceva de genul 60% din ceea ce s-a facut anterior a fost aruncat). Nu este clar daca versiunea anterioara a filmului ar fi fost mult mai buna, dar versiunea Meet the Robinsons care a fost lansata a fost destul de prost gatita. Exista cateva lucruri grozave despre aceasta comedie de familie cu o poveste de calatorie in timp, in special scorul lui Danny Elfman si cateva strigari indraznete pentru sectiunea Tomorrowland din Parcurile Disney, dar, in general, se simte ca pilotul unui serial la care nu ajungem niciodata. ceas. Exista atat de multe personaje, fiecare dintre ele schitat subtire, cu foarte putine rezolutii (sau chiar o linie emotionala clara). A fost lucrarea unui studio pe prapastia maretiei reinnoite, dar acesta nu este… grozav.

51. Make Mine Music (1946)

Al treilea dintre „pachetul de filme” din perioada celui de-al Doilea Razboi Mondial, conceput pentru a mentine studioul pe linia de plutire, in timp ce studioul fizic real era ocupat de armata SUA si fortat sa produca filme de propaganda artistice, Make Mine Music are putin mai mult prestigiu ( a fost a intrat la Festivalul de Film de la Cannes) si o mana de piese memorabile, dar, ca si celelalte filme din aceasta serie, se simte ca ceea ce este – o colectie de idei nerafinate impinse una langa alta si lansate in cinematografe. (Exista zece segmente si totusi filmul abia scapa o ora de rulare.) Sectiunile mai memorabile ale filmului includ „Blue Bayou” (frumos si melancolic, a fost planificat initial pentru Fantasia si a servit drept inspiratie pentru unul dintre cele mai faimoase din Disneyland ) . restaurante), „Casey at the Bat” (bazat pe poemul Ernest Thayer , recitat aici) si „Peter and the Wolf” (cu adevarat superb, bazat pe compozitia lui Serghei Prokofiev cu naratiune de Sterling Holloway ). Filmul (intitulat initial Swing Street ) nu a fost unul dintre preferatele lui Walt (animatorii au fost de acord, referindu-se la el drept o „vanzare de ramasite”), iar criticii de obicei efuzi in legatura cu orice cu numele Disney atasat au fost indiferenti. Totusi, a facut profit, asa ca au fost produse mai multe filme in acest stil. Vanzarile ramase au continuat.

50. Distractie si fantezie gratuit (1947)

In loc de o multitudine de filme mai scurte, Fun and Fancy Free a fost taiata chiar la mijloc (ca una dintre fasolele lui Mickey), prezentand doua povesti care au fost initial dezvoltate ca lungmetraje inainte de a fi oprite. Asta insemna ca jumatate din film a fost dedicata „Bongo”, o poveste despre un urs de circ care se regaseste inapoi in natura (o poveste care va fi reciclata zeci de ani mai tarziu in filme precum Bolt), povestita de Jiminy Cricket ; si „Mickey and the Beanstalk”, sectiunea mult mai mare a filmului, care a plasat cel mai faimos personaj al lui Walt in basmul clasic. (Aceasta fusese o idee care fusese propusa inca din 1940 ca un film intitulat The Legend of Happy Valley .) „Mickey and the Beanstalk” a fost povestit de Edgar Bergen , despre care biograful Disney Neal Gabler l-a remarcat drept „unul dintre putinii oameni”, a socializat Walt. In timp ce sectiunea Mickey a filmului este superioara, ea sufera, de asemenea, putin din cauza turnarii lui Mickey ca doar un alt personaj (o soarta similara a avut-o pe Muppets cand au fost fortati sa faca adaptari literare clasice), dupa cum noteaza si Gabler. Poate ca este graitor ca acesta a fost primul film in care Walt nu si-a exprimat exclusiv vocea personajului insusi. In schimb, l-a chemat pe omul cu efecte sonore Jimmy Macdonald in biroul sau si i-a spus ca nu mai are timp, desi s-a teoretizat ca vocea lui, care a capatat o calitate groaznica din cauza tigarilor sale fara filtru care fumau in lant, probabil. avea ceva de-a face cu asta. Macdonald va exprima personajul in urmatorii 38 de ani. Asa ca, in timp ce Mickey din acest film se indepartase mult de soarecele care era atat de iubit, a fost inceputul unei versiuni a personajului care va dura in urmatoarele decenii.

49. Melody Time (1948)

Poate cel mai neuniform dintre „filmele de pachet”, exista si o oarecare frumusete lirica care se gaseste in Melody Time , care, in ciuda suisurilor si coborasurilor sale, il face cel mai bun dintre multime – sau cel putin cel mai interesant. Intentionat initial ca o antologie de eroi populari americani (in produsul final au mai ramas doar doi), serveste ca un fel de continuare pe jumatate formata a Fantasia , care, in ciuda succesului sau comercial, era inca vazuta ca o stea nordica creativa. Dintre cele sapte sectiuni scurte, cele mai multe sunt cel putin distractive, iar unele sunt de-a dreptul uluitoare. „Once Upon a Wintertime”, cu estetica sa indrazneata, grafica si povestirea fara cuvinte, este ceva asemanator unui clasic al sarbatorilor Disney; „Copacii” are un fel de frumusete ciudata, in principal datorita utilizarii celulelor „inghetate” pentru a-si transmite originile cartilor de povesti; „Pecos Bill” este un salut emotionant la crearea de mituri americane; iar „Blame it on the Samba” prezinta prietenii nostri de la Saludos Amigos , ceea ce este distractiv. In cele din urma, Melody Time (ca si celelalte filme de pachet) se afla stanjenit intre o „Silly Symphony” prea lunga si marea ambitie a Fantasia . Cand filmul a fost lansat, nu a reusit sa-si recupereze pretul de 2 milioane de dolari, dat vina (cel putin de Roy Disney) pe o sperietura de poliomielita care ii tinea pe copii departe de cinematografele. Rezultatul a fost disponibilizari la studio si o croaziera de trei saptamani in Hawaii pentru Walt. A vrut sa uite de munca pentru o vreme. Este usor de inteles de ce.

48. Salvatorii (1977)

Amintit acum mai mult pentru imbinarea cu un singur cadru a unui film pornografic in fundal decat pentru orice din filmul propriu-zis, The Rescuers este in mod intermitent fermecator, dar in cea mai mare parte lipsit de gust si slab. Incercat initial cu ani in urma cu Louis Prima, favoritul din Cartea junglei, intr-un rol muzical proeminent (ar juca si un urs cantator), a fost suspendat dupa ce cantaretul a descoperit ca avea o tumoare la creier. In schimb, alte doua povesti de Margery Sharp au fost adaptate si combinate pentru a forma Salvatorii . Ideea unei perechi de detectivi de animale care incearca sa rezolve o crima in lumea umana este o idee ingenioasa (afisul original promitea „mister”, „distractie” si „intriga”), iar Bob Newhart si Eva Gabor sunt interpreti grozavi , jucausi . potrivit pentru animatie. (Ganditi-va doar la cameo-ul impecabil al lui Newhart, care il elogiaza pe Krusty in The Simpsons sau la interpretarea superioara a lui Gabor in The Aristocats .) Dar filmul se simte apatic si stilul de animatie (denumit xerografie datorita replicilor animatorului copiat pe cels), ceea ce este fermecator in alte filme, se simte ieftin si neterminat aici. Pilositatea replicilor adauga o calitate slabita intregii intreprinderi (care a fost atrasa pe deplin in adancurile noroioase de acel animator care a imbinat o fotografie dintr-un film pentru adulti in fundalul uneia dintre scene). Cel mai memorabil aspect al filmului este, probabil, Madame Medusa ( Geraldine Page ), o ticalosie care initial trebuia sa fie Cruella de Vil si care a fost in cele din urma modelata dupa fosta sotie a legendarului animator Milt Kahl (serios). Personajele lui Bernard si Bianca aveau sa fie revazute ani mai tarziu intr-o continuare superioara (si inca ciudat trecuta cu vederea), prima din istoria studiourilor de animatie Walt Disney.

47. The Aristocats (1970)

Acesta, dintre toate lucrurile, a fost ultimul film aprobat de Walt Disney insusi inainte de moartea sa prematura, in 1966. Concepu initial ca episoade gemene ale serialului sau de televiziune, lui Walt i-a placut povestea (de catre scriitorii Wonderful World of Color de la Walt Disney, Tom McGowan ) . si Tom Rowe ) atat de mult incat el a sugerat ca ar putea functiona mai bine ca un film animat. Chiar si cu mai mult de doi ani de munca depusa pentru rafinarea povestii, filmul se simte adesea uzat si ca o versiune mai mica a unor filme Disney mai bune ( in special 101 dalmati ). Performantele vocale ale lui Phil Harris si Eva Gabor sunt asi, la fel ca si piesele Sherman Brothers („Everybody Wants to Be a Cat” si „Thomas O’Malley Cat” sunt clasice certificabile). Dar chiar si cantecele au un fel de calitate amaruie pentru ele; acesta a fost ultimul film la care Fratii Sherman aveau sa lucreze pentru companie, gasind atmosfera profesionala din studio toxica dupa moartea lui Walt. (Nu s-ar intoarce pana in The Tigger Movie in 2000.) Aceasta a fost o perioada de apatie si neliniste creativa si in The Aristocats … se vede.

46. ​​Robin Hood (1973)

Verifica-ti nostalgia: Robin Hood nu este foarte bun. S-a nascut din multe idei abandonate si inclinatii pe jumatate coapte – Walt Disney a vrut sa faca ceva cu Vulpea Reynard, un personaj medieval care trebuia initial sa serveasca drept viniete animate pentru a fi incorporat in Treasure Island ; o adaptare animata a piesei populare Chantecler (personajul principal era un cocos) fusese dezvoltata, dar s-a zdruncinat, iar designerul Ken Anderson si-a adunat cu succes sprijinul pentru o versiune complet animala a lui Robin Hood , plasata in adancul sud (o idee pe care Song of sudul deja se acrisese). Filmul care a rezultat nu este nici peste, nici urat (sau vulpe), o colectie libera de tropi clasici, desene de personaje incontestabil minunate de Anderson (desi m-a deranjat intotdeauna de ce Sir Hiss, un sarpe, era blanos) si secvente animate care au fost literalmente reciclate . de mai devreme, caracteristici animate mult mai bune. (In timp ce unii considera ca este urat, eu sunt un mare fan al aspectului procesului de fotografiere Xerox, care a dat liniilor un fel de zdrentuire .) Robin Hood evoca dureros filmele care au fost facute dupa moartea lui Walt, cu principiile creative prea ocupate sa se intrebe ce i-ar fi facut (sau le-ar fi placut) lui Disney si nu s-au gandit niciodata sa inoveze pentru ei insisi. Are farmecul ei si a fost in mod clar o influenta asupra Zootopia, castigatoare a Oscarului de anul trecut, dar Robin Hood este departe de a fi un clasic.

45. Pocahontas (1995)

Da, Pocahontas este superb, cu estetica sa grafica clara, care aminteste de Frumoasa adormita si „Once Upon a Wintertime”. Este regizat de doi dintre cei mai buni de la Walt Disney Animation, Mike Gabriel si Eric Goldberg . Exista cateva melodii captivante. Dar, si imi cer scuze fata de copilul tau interior care inchina nostalgie atunci cand spun asta, este, de asemenea, destul de prost si o reamintire atragatoare ca pedigree nu este egal cu valoarea de divertisment. Pitch-ul original al lui Gabriel, folosind o imagine a Tiger Lily de la Peter Pan , se presupune ca a primit cea mai rapida unda verde din istoria studioului. (Acest lucru a avut de-a face cu o serie de factori, inclusiv modul rapid in care filmele erau prezentate in vremuri, ademenirea imaginii pe care Gabriel a creat-o si dorinta de mult timp a studioului de a face o versiune animata a Romeo & Julieta . .) Seful animatiei Jeffrey Katzenberg, la randul sau, a crezut ca ar putea fi o alta Frumoasa si Bestia , in timp ce seful Disney, Michael Eisner, s-a ingrijorat ca nu se poate ridica la standardele recentei liste de hituri si detalii clare ale povestii si muzica.

In cele din urma, Eisner avea dreptate. Filmul pur si simplu nu functioneaza asa de bine pe cat ar trebui. Este atat prea greu si, in acelasi timp, incercarile de a atenua intunericul pur si simplu sunt inconsecvente din punct de vedere tonal si deplasate. Il poti simti incordat pentru a-si mentine seriozitatea, chiar si in timpul secventelor cu copaci care vorbesc sau pugi comici. Este umflat de propriul sau sentiment de sine umflat. „Colors of the Wind” este un showstopper, cu siguranta, dar altfel poti numi o alta melodie din film (in afara de incredibil de discutabila „Salbatici”)? In timp ce personajul si-a mentinut un grad rezonabil de popularitate datorita includerii ei in linia de produse de consum Disney Princess, filmul a disparut in mare parte din memorie. (Nu ca ar fi fost un nemaipomenit de la inceput; in comparatie cu acele lansari anterioare din acelasi interval de timp, a dezamagit critic si comercial, desi o plimbare incantatoare cu tematica Pocahontas a fost planificata pentru parcul tematic Disney’s America, in cele din urma disparut.) In fiecare secventa din Pocahontas ii poti simti intentiile bune, dar aceleasi intentii il fac sa se simta atat de sigur si plictisitor. Sincer, ar fi putut folosi putina salbaticie.

44. Raya si ultimul dragon (2021)

In multe privinte, Raya si Ultimul Dragon este un film despre reinvierea trecutului si intoarcerea la ceea ce a functionat inainte, iar acest lucru se simte cu siguranta ca si cum Disney s-ar mentine cu formule incercate si adevarate. De exemplu, povestea Rayei despre o printesa care trebuie sa iasa singura pentru a-si salva familia si casa ei seamana un pic cu Moana , in timp ce interpretarea lui Awkwafina ca dragonul Sisu nu poate sa nu aminteasca de Geniul din Aladdin . In ciuda decorului unei lumi si unei culturi fascinante care nu sunt explorate atat de mult pe cat ar trebui, o mare parte din Raya este in regula . Nu este niciodata prea interesant sau amuzant, dar ramane intotdeauna pe partea dreapta a amuzamentului. Raya si Ultimul Dragon este decent, dar nu face niciodata suficient pentru a se separa de restul canonului Disney. — Ross Bonaime

43. Lume ciudata (2022)

Dupa incercarile nu atat de reusite ale Disney de a avea filme animate mai orientate spre actiune la inceputul anilor 2000, este admirabil ca Disney revine la acest stil de film cu Strange World . Inspirandu-se din romanele pulp si povestile clasice stiintifico-fantastice, Strange World are impresia ca studioul isi intoarce degetele de la picioare pentru a face leagane mari cu filmele sale de animatie. Cu toate acestea, exista o multime de dureri de crestere aici, deoarece Disney incearca ceva putin mai putin conventional pentru ei si, desi ambitia sa este admirabila, Strange World pur si simplu nu este atat de amuzanta sau interesanta pe cat ar trebui sa fie, si povestea serioasa a dragostei din interior. o familie ar putea fi prea mult pentru unii telespectatori. Dar farmecul Lumii ciudate , povestirile cu gandire inainte si construirea inventive a lumii fac esecurile sale usor de ignorat. Strange World se simte ca o incercare a lui Disney de a incerca ceva nou cu partea lor animata destul de conservatoare a lucrurilor si, chiar daca nu functioneaza complet, este incitant sa-l vezi din nou pe Disney, macar sa incerce si sa vezi ce se tine. — Ross Bonaime

42. Atlantis: The Lost Empire (2001)

Am vorbit cu Mike Mignola , creatorul Hellboy , despre Atlantis : The Lost Empire . Regizorii Gary Trousdale si Kirk Wise l-au adus pe Mignola in proiect si i-au insarcinat sa proiecteze personaje si sa dicteze estetica generala a filmului. Realizatorii filmului au vazut Atlantis: The Lost Empire ca pe o oda naucioasa a vechilor filme cu monstri Ray Harryhausen . (Pentru a-l cita pe dragul meu prieten si istoricul Disney, Jim Hill , la un moment dat, „acest film a avut mingi ”). pentru a proiecta capcane care ar ucide in mod creativ personajele cheie. Este mai ales pacat, deoarece o mare parte din munca de design a lui Mignola si toate acele capcane nu au ajuns niciodata la filmul final. (Daca vrei sa stii cat de greu a fost filmul candva, cauta prologul viking nefolosit al filmului.) Iti poti da seama ca Trousdale si Wise, care au facut clasicele Frumoasa si Bestia si Cocosul de la Notre Dame pentru companie . , dorisera sa-si intinda aripile. Filmul rezultat prezinta un cadru fermecator de „barbati intr-o misiune”, in care o banda de neadaptati dezvaluie misterul orasului pierdut Atlantida, dar puteti simti concesiile creative si puteti taia colturi peste tot, chiar si dupa ce data lansarii a fost amanata. (Michael Eisner a descris odata filmul drept o „adaugire minunata la mostenirea animatiei Disney.”)

Ceea ce ar fi trebuit sa fie o revenire vertiginoasa la forma a cazut in cele din urma; in timp ce criticilor le place filmul, Atlantis a avut marea ghinion de a se deschide in aceeasi vara cu Shrek . Shrek , in frunte cu fostul lui Jeffrey Katzenberg, a explodat stilul clasic Disney, in timp ce Atlantis: The Lost Empire a facut tot ce a putut pentru a imbratisa aceasta mostenire. Nu ar fi putut exista inca doua caracteristici animate diferite in acelasi spatiu. Sperantele erau mari pentru Atlantis , cu o atractie incredibila de parc tematic planificata si o serie animata deja in lucru, dar acele extensii au fost ucise in liniste in urma dezamagitorului sau box office. Exista ceva incontestabil ciudat si imbietor la Atlantis, de la desenele lui Mignola la ritmul rapid al filmului de actiune (echipa purta camasi pe care scria „Mai putine cantece, mai multe explozii”), care a devenit si mai rapid atunci cand bucati mari din film au fost considerate prea scumpe pentru animati (echipajul urma sa intalneasca o multime de creaturi mitice in calatoria lor; in cele din urma, se intalnesc doar cu niste pesti steampunk). Se simte intr-adevar ca o epopee de actiune live, cu raportul sau de aspect super larg de 2,35:1 si prezentarea de 70 mm (nuante atat de Frumoasa adormita , cat si de The Black Cauldron ) si partitura gigantica James Newton Howard , iar filmul a dezvoltat un cult extrem de devotat. ca urmare a. Chiar si dupa ce bilele sale au fost indepartate, Atlantis: The Lost Empire este diferit de orice alt film animat Disney si merita redescoperit, la fel ca si orasul titular.

41. Fantasia 2000 (1999)

Walt isi dorise intotdeauna sa faca o alta Fantezie. Inainte de a fi lansat, el a emis ipoteza ca ar fi putut dura zeci de ani, adaugandu-se ocazional un nou segment pentru a linisti noile audiente. In timp ce munca la o continuare a fost flirtata la inceputul anilor 1980, abia dupa ce Fantasia a fost lansat pe home video in 1990 si a vandut 15 milioane de copii (!), seful companiei, Michael Eisner, a dat unda verde proiectului. (Jeffrey Katzenberg l-a urat intotdeauna si a ramas un proiect pasional al lui Roy E. Disney, nepotul lui Walt.) Din toate punctele de vedere, productia a fost un cosmar, deoarece Roy si colaboratorii sai au strabatut piese de muzica clasica si au dezbatut la nesfarsit despre stil. si directia pe care ar trebui sa o ia diferitele segmente. Faptul ca totul a durat atat de mult face ca deciziile finale sa fie si mai derutante („Pomp and Circumstance” ca o repovestire ciudata comica a Arcei lui Noe cu Donald Duck in rolul lui Noe? Serios?), dar, in timp ce calitatea generala nu reuseste sa atinga culmile astronomice ale originalul, sectiunile care sunt bune sunt foarte, foarte bune . In special, sectiunea jazzy „Rhapsody in Blue”, animata de marele Eric Goldberg si bazata pe stilul caricatural al lui Al Hirschfeld , este remarcabila. La fel ca „The Firebird”, un succesor cuprinzator, cvasi-spiritual al sectiunii „Noapte pe muntele chel” a originalului, de data aceasta cu un mesaj mai bland, mai constient de mediu si imagini chiar mai visatoare (realizate printr-o combinatie romantica de animatie traditionala). si efecte computerizate), bazata pe baletul omonim al lui Igor Stravinski . In timp ce Fantasia 2000 nu a avut acelasi impact ca si originalul Fantasia , au existat o serie de expozitii interesante ale filmului, inclusiv o tirada limitata care a prezentat o orchestra completa (fiecare dintre aceste spectacole a costat compania peste 1 milion de dolari) si o serie mai larga. Prezentare IMAX.

Ceea ce este si mai surprinzator este ca cel putin doua sequel-uri au fost in dezvoltare dupa lansarea filmului (de care stiu eu); unul era bazat pe muzica mondiala si avea mai multe segmente in productie (cand proiectul a fost abandonat, aceste segmente au fost lansate ca scurtmetraje) iar celalalt bazat pe o mana de idei inventate de insusi Goldberg. Este pacat ca Fantasia 2000 , care astazi joaca ca o capsula a timpului instantaneu datorita aparitiilor sale specifice de la sfarsitul anilor ’90 (cine a invitat Penn & Teller ?) a fost capatul de linie pentru brandul Fantasia . Proiectul initial a fost atat de inovator si a fost in mod clar atat de aproape de inima lui Walt incat a avea franciza sa incheie acest lucru fara glorie, cu o caracteristica neuniforma pe care majoritatea oamenilor au omis-o, este o mare dezamagire, indiferent de felul in care il taiati si de ce muzica draguta canta. fundalul.

40. Treasure Planet (2002)

Regizorul Ron Clements , care avea sa creeze unele dintre cele mai de neuitat clasice in timpul asa-numitei Renasteri Disney, nu a avut aceeasi influenta in 1985. Pe atunci s-a trezit participand la unul dintre spectacolele de gong. sesiuni pe care Michael Eisner si Jeffrey Katzenberg le-ar conduce, in care animatorii prezentau rapid mai multe idei care au fost fie acceptate, fie respinse, chiar pe loc. Doua dintre ideile lui Clements au fost respinse in ziua aceea. Unul a fost pentru Mica Sirena (renuntat pentru ca era prea asemanator cu recentul hit de actiune live al lui Disney, Splash ), iar celalalt a fost ceva ce Clements a descris drept „ Insula comorilor in spatiu”. (Dupa autorul James B. Stewart, Eisner a acceptat ideea, partial pentru ca stia ca exista o continuare a Star Trek in stilul Treasure Island in lucru la Paramount.) Cand Disney incerca sa-l scoata pe Hercules, dupa o dezvoltare esuata Intr-un lungmetraj animat Odyssey , s-au dus la Clements si partenerul sau de regie, John Musker , si le-au spus ca in sfarsit pot face filmul „ Insula comorilor in spatiu” daca l-ar duce pe Hercules peste linia de sosire. Au fost de acord.

Dar pana cand Treasure Planet (asa cum a fost cunoscuta in cele din urma) era in dezvoltare, Atlantis : The Lost Empire a aparut, un film animat SF cu tematica similara (si mai important, comercializat in mod identic) a aparut si a fost ignorat de public. . In weekendul dupa ce Treasure Planet a deschis un bilant de box office slab, Disney Brass a anuntat o reducere de aproape 75 de milioane de dolari a filmului, cea mai mare din istoria animatiei. Totusi, filmul a fost nominalizat la Premiul Oscar pentru cel mai bun film de animatie si exista cateva lucruri interesante despre el. Dar, in ansamblu, nu functioneaza atat de bine pe cat ar trebui, simtindu-se ca o multime de trasaturi animate anonime din aceeasi perioada (buna ziua Titan AE !). Traducerea povestii clasice a lui Robert Louis Stevenson intr-un cadru intergalactic este surprinzator de fara intreruperi (scenariul a fost lucrat de Ted Elliott si Terry Rossio , colaboratorii lui Clements si Musker la Aladdin si co-arhitectii francizei Piratii din Caraibe ), chiar daca unele dintre ideile si designul personajelor nu prea functioneaza (WTF este oricum despre tovarasul globular Morph?) Poate cel mai blestemat este cat de putin ii vezi pe Clements si Musker in lucru. Acesti baieti sunt realizatori de film clasici care stiu sa reinventeze si sa submineze atat asteptarile publicului, cat si materialul sursa original, dar aici povestea se simte invechita si se straduieste cu disperare la relevanta (nu este suficient ca Jim Hawkins are o tunsoare cool alt-rock in acest film, dar este si surfer ). Totusi, acesta este un film care este bine produs si are o serie de inovatii tehnologice rele, cum ar fi bratul mecanic generat de computer al lui John Silver. Iti doresti doar sa fie un film atat de spectaculos incat sa justifice deceniile de dezvoltare dureroasa. Poate ca a fost corect sa fiu gonged.

39. The Rescuers Down Under (1990)

Privind la viitoarea carte a studiourilor de animatie Walt Disney, pare aproape ciudat ca The Rescuers Down Under a fost prima continuare animata pe marele ecran a studioului. Aceasta continuare a filmului The Rescuers din 1977 i-a gasit pe Bernard si pe domnisoara Bianca (un Bob Newhart si Eva Gabor care se intorc, in ultimul ei rol de film) calatorind in Australia pentru a ajuta la salvarea unui vultur auriu rar, o specie fictiva pe care am crezut-o 100% a fost real dupa ce am vazut filmul. Filmul a renuntat la formatul muzical al originalului, concentrandu-se in schimb pe o povestire de aventura de actiune, care se potrivea avand in vedere decorul australian. (Povestitorul legendar Joe Ranft , care a avut o mana de lucru in toate, de la Cosmar inainte de Craciun pana la Toy Story , a fost o forta motrice din spatele scenariului filmului, desi a dat de multe ori capul cu cei mai inalti, mai ales cand a sugerat ca personajul principal sa fie un nativ aborigen.) Desi nu este chiar un blockbuster, acesta este un film serios si distractiv, care a servit o serie de descoperiri tehnologice, inclusiv primul film care a fost complet colorat de sistemul CAPS dezvoltat de Pixar si care prezinta o serie de uimitoare secvente animate pe computer, cum ar fi incredibila secventa de deschidere realizata de muzica grozava a lui Bruce Broughton . La 77 de minute, este una dintre cele mai rapide si mai palpitante trasaturi de animatie din acea perioada si una foarte subestimata. Acesta a fost un film care s-a imbunatatit considerabil fata de filmul original, actualizand premisa esentiala pentru un nou public, dar creandu-si propria dispozitie si senzatie, sub conducerea musculara a lui Mike Gabriel si Hendel Butoy .

38. Sabia in piatra (1963)

Dovada ca, pana in momentul in care The Sword in the Stone a intrat in productie, Walt a verificat complet (a aprobat scenariul final in timp ce se afla in vacanta in Florida): animatorii, suparati ca gloriosul lor lider i-a abandonat pentru lucruri precum Targurile Mondiale si Disneyland, au decis sa se razbune transformand personajul principal intr-o caricatura a sefului lor de studio. Si daca te uiti astazi la Merlin – forma nasului sau, felul in care este agitat si creativ (dar si predispus la izbucniri explozive), poti sa-l vezi; el este Walt Disney. In mare parte, creatia legendarului animator Bill Peet , care si-a impins proiectul in prim-plan atunci cand o adaptare a lui Chanticleer se facea, sa bazat partial pe cartea cu acelasi nume a lui TH White , pe care Walt si-a achizitionat drepturile in 1939. Filmul este extrem de imaginativ, mai ales avand in vedere ca in timpul productiei (folosind deja tehnica Xerografie mai ieftina care a dat liniilor o calitate zgarietoare) bugetul sau a fost redus la 40% din ceea ce era 101 Dalmati . (Ai.) Totusi, nu poti sa-ti dai seama ca a fost produs atat de ieftin, uitandu-te la el; acesta este un film plin de transformari magice si zboruri de fantezie si exista o cantitate surprinzatoare de traditii arthuriene intepenite intre gaguri (Peet s-a asigurat de asta). Desi filmul a fost uitat in mare masura (biografia definitiva Walt Disney de Neal Gabler il mentioneaza doar de doua ori), este inca atat de distractiv de vizionat, vibrant, colorat si hilar. Si nu doar din cauza asemanarii lui Merlin cu Walt.

37. Inghetat II

Frozen 2 avea pantofi ingrozitor de mari de umplut. Spre deosebire de Ralph Breaks the Internet , care a avut mize relativ mici, avand in vedere succesul modest al primului film (si, prin urmare, mai multa latitudine creativa), Frozen 2 este continuarea unuia dintre cele mai mari filme de animatie din toate timpurile, un gigant care capteaza zeitgeist. asemanatoare carora nu se mai vazusera cu adevarat de la Renasterea Disney, supravegheata de Eisner. Si avand in vedere presiunea, Frozen 2 este o surpriza minunata. Dupa doua vizionari, nu il pot plasa mai sus decat originalul, dar asta s-ar putea schimba in anii urmatori (si de fiecare data cand apare un nou film Walt Disney Animation Studios, vreau sa rearanjez aceasta lista); exista o simplitate si o simplitate care este de-a dreptul admirabila. Pentru continuare, toate personajele tale preferate revin — Anna, Elsa, Olaf, Kristoff si Sven — doar ca sunt cufundati in pericol de moarte de incercarea Elsei de a se reuni cu trecutul ei si de a afla de unde a venit. Este o calatorie uluitoare, in timp ce gasca se aventureaza din familiar in necunoscut si din siguranta relativa a basmelor din carti de povesti intr-un spatiu mai maret, mai mitologic.

Inca o data regizat de Chris Buck si Jennifer Lee si scris de Lee, care in anii de la filmul original Frozen avea sa ajunga intr-o pozitie de conducere la Studiourile de animatie Walt Disney dupa parasirea in dizgratie a lui John Lasseter , o poti simti luptandu-se cu ea. propria putere si responsabilitate, la fel cum face Elsa aici. Si, in timp ce naratiunea ar putea deveni in cele din urma putin mai nebunoasa (este inutil de complicata si copiii mici ar putea fi derutati), angajamentul fata de personaje, fata de capacitatea lor de a se adapta, schimba, maturiza si evolua, este cu adevarat uluitor. Acest lucru este valabil mai ales, avand in vedere ca majoritatea personajelor sunt draguti unul cu celalalt pe tot parcursul timpului si nu exista un tip rau conventional. Fiecare cantec din Frozen 2 este un opreliu de spectacol si, in timp ce niciuna nu atinge puterea de vierme a urechii „Let It Go”, una ameninta sa o eclipseze: „Lost in the Woods” de Kristtof, un ren care canta impreuna, redat in stil a unei balade de putere din epoca lui Peter Cetera din Chicago. (Renii cantatori m-au facut sa ma gandesc si la Country Bear Jamboree.) Frozen 2 este o lucrare profunda, superba si uluitoare, puterea sa diminuata doar de intriga sa spinoasa si de faptul ca, desi ar putea veni la 6 ani dupa original Frozen , intre scurtmetrajul „Frozen Fever”, speciala de Craciun a lui Olaf Frozen Adventure si aparitia Annei si Elsei in Ralph Breaks the Internet , parca nu am parasit Arendelle deloc. Imagineaza-ti pofta de mancare daca fetele ar fi fost plecate in tot acest timp. Ar fi si mai greu sa-i dai drumul.

36. The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949)

Ultimul „film de pachet” al Disney de aproape 30 de ani, Aventurile lui Ichabod si a domnului Toad , in loc sa prezinte o constelatie de scurtmetraje, este desprins la mijloc – o jumatate este Vantul din salcii , o adaptare a romanului EH Shepard . care a imprumutat si de la Toad Hall , o adaptare pe scena a autorului Winnie-the-Pooh, AA Milne, si The Legend of Sleepy Hollow , bazata pe povestea clasica a lui Washington Irving. Initial , The Wind in the Willows a fost destinat sa fie o caracteristica de sine statatoare; Walt a cumparat drepturile imediat dupa succesul lui Alba ca Zapada . (In mod privat, Walt a marturisit odata unui fan ca nu a gasit povestea „deosebit de potrivita pentru materialul din desene animate.”) Productia a continuat, dar a incetinit pana la un taras dupa izbucnirea celui de-al Doilea Razboi Mondial, iar studioul a fost in mare masura diminuat si fortat sa lucreze la filme de propaganda mandatate de guvern. Inca din 1943, cu filmul „incet-incet serpuindu-si drum prin productie” (conform biografului Neal Gabler), Walt se gandise sa transforme filmul intr-o jumatate din unul dintre aceste pachete (la vremea respectiva el considera ca se potriveste bine cu Mickey. Mouse Jack in povestea Beanstalk sau colaborarea sa torturata, in cele din urma nerealizata , Roald Dahl , Gremlins ). In cele din urma, a fost combinat cu Ichabod Crane , asa cum a fost uneori cunoscut filmul. In acel moment, Walt era mai putin interesat de filmele animate; razboiul il scapase de mult din entuziasmul sau si concentrarea lui era acum divizata intr-o duzina de directii (inclusiv, dar fara a se limita la realizarea de filme cu actiune reala, documentarele sale despre natura True Life Adventure si visele sale pentru un anumit teren in Orange County. …) Sincer, poti simti o parte din acea apatie in cele doua jumatati ale filmului; nici nu este o poveste completa si uneori animatia se simte grabita sau neterminata.

In mod uimitor, ambele jumatati au trait mai mult decat te-ai fi asteptat vreodata, in mare parte datorita difuzarii lor (individual, de obicei alaturi de alte scurtmetraje) la televizor incepand din 1955 si continua pana astazi. Daca exista vreodata un scurtmetraj Disney special de Halloween, jumatatea Sleepy Hollow va fi acolo (cu Calaretul fara cap facand aparitia la sarbatorile de Halloween in parcuri din intreaga lume). Este uluitor sa urmaresti din nou sectiunea Ichabod si sa vezi cat de mult a ridicat regizorul (si fostul animator Disney) Tim Burton (direct) pentru filmul sau din 1999, Sleepy Hollow . Si, in timp ce oamenii ar putea sa nu se uite atat de des la segmentul animat Vant in salcii , cu siguranta cunosc Mr. Toad’s Wild Ride, atractia situata in sectiunea Fantasyland din Disneyland, care ramane favorita fanilor. Este de-a dreptul ametitor.

35. Fratele urs (2003)

Inspirat atat de succesul Regelui Leu, cat si de faptul ca nu existau filme centrate pe animale in curs de dezvoltare, presedintele Disney Michael Eisner, inspirat partial de o pictura a artistului din secolul al XIX-lea Albert Bierstadt (avea ceva arta). fetish), au decretat ca ar trebui sa faca un film de animatie despre animale plasate in America. In 1997 au fost dezvoltate o serie de idei; una se numea Timber si alta era o adaptare a regelui Lear , dar cu un rege urs si cele trei fiice ale sale. In cele din urma, s-a stabilit o idee in care un vanator uman egoist a fost transformat intr-un urs, astfel incat sa poata vedea cum era sa fie ceva pe care il vana. Imi amintesc ca m-am plimbat prin centrul de animatie Walt Disney la ceea ce era cunoscut pe atunci sub numele de Studiourile Disney-MGM din Orlando, Florida, unde a fost produs filmul, si o pancarta simpla pe care scria: Ursi . In cele din urma, va deveni fratele urs . Acest film distractiv si nesofisticat (ultimul animat la studioul din Florida) are o lectie de morala incredibil de simplista si este impodobit cu cantece false spirituale ale Phil Collins , care nu sunt nici pe departe la fel de bune sau de atragatoare ca cele pe care le-a facut pentru Tarzan . Nominalizat la Oscar pentru cel mai bun lungmetraj de animatie, Brother Bear a fost uitat in mare masura in anii de la lansare, ceea ce este pacat avand in vedere frumusetea si sufletul sau, probabil umbrite de Pixar’s Brave , lansat ani mai tarziu, dar cu o poveste remarcabil de asemanatoare cu transformarea ursului.

34. Tangled (2010)

Filmele animate sunt notoriu dificil de realizat, dar cati dintre ele pot pretinde ca regizorul initial a plecat pentru ca stresul productiei l-a facut sa faca un atac de cord? Pentru ca asta s-a intamplat in Tangled , care initial trebuia sa fie debutul regizoral al lui Glen Keane , legendarul animator din spatele Beast, Aladdin, Ariel si Tarzan (printre altii). Interpretarea lui Keane a prezentat un unghi satiric (cel putin pentru o vreme). Potrivit directorului Walt Disney Animation Studios, Ed Catmull (in cartea sa Creativity, Inc. ), la un moment dat „Michael Eisner a propus sa actualizeze povestea, numindu-o Rapunzel Unbraided si sa o plaseze in San Francisco de astazi”. Aceasta versiune ar fi avut Rapunzel sa traiasca in lumea reala, dar sa fie transportat in lumea basmului. (Nu a functionat si proiectul a fost inchis.) Cand Lasseter si Catmull au fost instalati la Disney, au reluat filmul, incurajandu-l pe Keane sa continue, cel putin pana cand a avut un atac de cord. Byron Howard si Nathan Greno, care lucrasera impreuna la Bolt , au preluat conducerea, aducandu-i pe scenaristul Dan Fogelman si compozitorul Alan Menken si creand un basm clasic cu sensibilitati moderne, care nu a fost niciodata prea mult ironic sau sardonic. Ei au avansat, de asemenea, un curs stilistic pe care Keane il incepuse, creand fundaluri bogate care aratau ca niste picturi (la un moment dat au fost programate pensule digitale in opera de arta; ulterior a fost eliminata).

Desigur, tot timpul de productie a insemnat ca bugetul a crescut la peste 260 de milioane de dolari, facandu-l cel mai costisitor film de animatie din toate timpurile si unul dintre cele mai scumpe filme de pana acum. Si sunt oameni care iubesc Tangled . Pentru mine, este cu siguranta inceputul unei perioade incitante pentru animatia Disney (Catmull descrie succesul sau ca „un moment de vindecare pentru studio”), dar nu a avut aventurozitatea si verva din The Princess and the Frog , lansat anul precedent si realizat folosind o buna utilizare. animatie de moda veche desenata manual. Nu se poate nega rezistenta filmului; pe langa un scurtmetraj de teatru care a fost atasat unei relansari 3D a Frumoasa si Bestia , un serial animat recent a debutat (animat 2D, destul de interesant) si personajele din film sunt peste tot in Parcurile Disney. Aceasta este una dintre acele povesti animate cu „kilometrajul poate varia”. Cu toate realizarile sale, mi-as dori doar sa fie un film mai bun.

33. The Emperor’s New Groove (2000)

Procesul de realizare a unui film animat este unul iterativ, mai ales la Walt Disney Animation Studios. Dar The Emperor’s New Groove a fost literalmente un film complet diferit, care a fost bine in productie – Regatul Soarelui , un fel de Print si Sarac , dar plasat in cultura antica Inca a Americii de Sud. Proiectul a fost considerat prea intunecat si serios si, desi fusese deja distribuit si Sting scrisese opt (!) melodii originale pentru productie, iar cu 25% din animatie finalizata, filmul a fost inchis. Animatorii au plecat (pentru lucruri atat de variate, cum ar fi Lilo & Stitch si Fantasia 2000 ), scenariul a fost revizuit pentru a se adapta la o sensibilitate mai nebuneasca de tip Looney Tunes si a fost aproape complet reformat (imi pare rau, Owen Wilson , Harvey Fierstein si multe personaje secundare de lame) . A, si majoritatea melodiilor lui Sting au fost aruncate. (Daca il puteti gasi si sunteti atat de inclinati, vizionati The Sweatbox , lungmetrajul documentar al lui Trudie Styler despre realizarea si derularea versiunii originale a filmului.) Filmul, acum intitulat The Emperor’s New Groove , a fost lansat in sfarsit in Decembrie 2000, este fermecator de anarhic si cu adevarat diferit de orice film de animatie Disney care a aparut inainte (sau dupa). Acesta este un film care este cu mandrie bidimensional, atat in ​​ceea ce priveste stilul de animatie, cat si continutul real; lectiile de viata sunt destul de pietonale, dar calusele sunt ucigase (doar gandeste-te la Kronk idiot al lui Patrick Warburton si incearca sa nu razi). Daca versiunea originala a filmului a fost definita de opulenta impunatoare, atunci varianta finala este energie pura, maniacale. In timp ce Walt Disney Animated Studios si-ar trambita cu mandrie istoria bogata a filmelor animate, The Emperor’s New Groove este foarte mult un desen animat (si in mod glorios).

32. Wreck-It Ralph (2012)

In dezvoltare cu mai bine de 15 ani inainte de lansare, sub nume precum Reboot Ralph si Joe Jump , codul a fost in cele din urma spart cand Rich Moore , regizorul super geniu din spatele episodului din Futurama , castigator al Emmyului „Roswell That Ends Well” , a sugerat ca Focusul filmului a trecut de la eroul unui joc video vesel pe 8 biti la antagonistul jocului, o bruta uriasa care a aruncat gunoaie in erou. Astfel s- a nascut Wreck-It Ralph . Spiritul sardonic si spiritul anarhic al lui Moore parcurg filmul, care prezinta o serie de aparitii ale personajelor de joc video de mare profil. (Negocierile prin care a trebuit sa treaca Disney au fost innebunitor de complexe, dupa cum va puteti imagina, si au fost in paralel cu ceea ce s-a ocupat Pixar cand a incercat sa-si asigure drepturile pentru anumite jucarii pentru prima Toy Story.) Acesta a fost un film care nu semana cu nimic altceva Disney . facuse in epoca moderna; toate acele incercari de obraznicie si ireverenta de mai devreme in era digitala (cum ar fi Chicken Little ) pareau si mai depasite si grosolane, alaturi de manipularea eleganta de catre Ralph a umorului indatorat de cultura pop si a jocului de cuvinte plin de spirit. Acesta este un film care prezinta un grup de auto-ajutorare de raufacatori si are pe coloana sonora o melodie Rihanna – lucruri pe care nu ai crede niciodata ca le-ai vedea intr-un film de animatie Disney. Dar ceea ce face ca Wreck-It Ralph sa functioneze este ca sub toata inteligenta se afla o poveste inselator de umana, despre dorinta, intentie si ceea ce ne face ceea ce suntem, cu John C. Reilly oferind una dintre cele mai grozave performante vocale Disney din toate timpurile, ca Ralph. Mi-am pregatit deja camerele pentru continuare.

31. Alice in Tara Minunilor (1951)

Unul dintre proiectele de lungmetraj cu care s-a jucat Walt inainte de Alba ca Zapada si cei sapte pitici a fost un film de actiune live/de animatie bazat pe Alice in Tara Minunilor , care ar fi jucat-o pe Mary Pickford . (El a realizat o serie de scurtmetraje la inceputul carierei sale care combinau Alice, animatie si actiune live.) Walt avea sa ia ideea unui lungmetraj Alice in Tara Minunilor, de data aceasta complet animat, dupa incheierea celui de-al Doilea Razboi Mondial. dar a abandonat multe dintre conceptele pe care le chinuise inainte (cum ar fi adaptarile literale ale ilustratiilor lui Sir John Tenniel , pe care Walt le-a gasit prea intunecate, desi Roy facuse tot posibilul pentru a-si asigura drepturile asupra desenelor). La un moment dat, Disney l-a angajat pe autorul Brave New World Aldous Huxley sa scrie scenariul, desi relatia lor a fost controversata; dupa ce s-a trezit practic ignorat in intalnirile de poveste, a parasit rapid proiectul. In timp ce filmul era in productie, Walt l-a proclamat „neobisnuit de bun” (lauda mare, mai ales dupa evaluarea sa sincera despre Cenusareasa ). Acesta ar fi putut fi totusi optimismul lui Walt, avand in vedere ca povestea originala Lewis Carroll a fost neobisnuit de greu de deslusit dintr-o perspectiva narativa, deoarece este plina de zboruri pronuntate de fantezie si tangente involburate, cu Alice un non-personaj virtual intr-o mare de colorate. ciudati. (La un moment dat Walt a angajat un psihiatru pentru a vedea un nou unghi asupra materialului.) Walt a vrut sa renunte la film, dar cheltuise prea mult pe el si urmatorul lor film nu era inca gata.

Mai tarziu, Walt ar spune mai sincer ca a fost o „dezamagire teribila”. Si, nu greseste. Ar fi putut fi ceva spectaculos. Dar, din toate punctele de vedere, nimeni din film nu a fost deosebit de fericit sa lucreze la proiect, iar regizorii diferitelor sectiuni ale filmului incercau in mod constant sa-i depaseasca pe ceilalti, rezultand intr-un fel de blandete extravagante. Cand totul este nebun, nimic nu este. Totusi, mostenirea sa este neobisnuit de lunga. Cestile de ceai din Parcurile Disney sunt preferatele fanilor si o pereche de adaptari live-action cu un buget mare au introdus lumea si personajele unei noi generatii (chiar daca seamana putin cu ceea ce artistii lui Walt au inventat). Acest film este amuzant, colorat si ciudat, dar ciudat de lipsit de gust. Dupa aceea, Walt s-a plans cat de greu a fost, cu Alice , sa aduca capriciu pe ecran. El a avut dreptate.

30. Big Hero 6 (2014)

Dovada ca trasaturile animate moderne Disney pot fi orice . Bazate liber pe benzile desenate Marvel cu acelasi nume, multi din productie (inclusiv cativa artisti cheie) nu au citit nici macar materialul sursa. In schimb, regizorii Don Hall (din partea blanda, complet subapreciata Winnie the Pooh ) si Chris Williams au folosit doar conceptul de baza si unele dintre arhetipuri pentru a crea o aventura cu totul noua, care este in parti egale Marvel si Disney. (Marvel a avut foarte putine contributii, iar Big Hero 6, din punct de vedere tehnic, nu face parte din Universul cinematografic Marvel.) Vedeta din Big Hero 6 este, desigur, Baymax, un robot „imbratisabil” inspirat de calatoria animatorilor la o robotica MIT. laborator unde experimentau cu roboti gonflabili. (In cartile de benzi desenate personajul este un monstru infricosator.) Baymax ii serveste ca un insotitor nepretuit pentru Hiro ( Ryan Potter ) dupa ce fratele sau moare; mai tarziu, el devine o parte la fel de importanta a unei echipe de supereroi (plina de inadaptati cu mintea stiintifica) care incearca sa descopere o vasta conspiratie. Aspectul lui Big Hero 6 este uimitor si cu totul unic, datorita unor progrese software de ultima ora in timpul productiei, care permit echipei sa redea un oras pe deplin viu (cu sute de cetateni unici si toata arhitectura care il insoteste). Big Hero 6 nu seamana deloc cu filmul care a aparut inaintea lui ( Frozen ) sau cu cel dinaintea lui ( Wreck-It Ralph ), o interpretare in intregime Disney a genului de supereroi si dovada ca atunci cand vine vorba de Studiourile de animatie Walt Disney, singurul lucru care te poti astepta este neasteptat.

29. Tarzan (1999)

Aceasta minune superba, ciudat de subestimata, a pus capat neoficial Renasterii Disney, acea epoca de aur a prosperitatii creative si financiare care a inceput cu un deceniu mai devreme. Tarzan a fost cea de-a 49-a adaptare pe marele ecran a personajului Edgar Rice Burroughs si prima care a fost animata. Concepu initial ca un film mai mic pentru a fi externalizat catre un studio canadian, a fost in cele din urma reconceput ca un film de aventura muzicala, sustinut de melodiile pop originale efervescente ale Phil Collins . Tarzan este musculos si rationalizat, definit de lovituri ascutite de violenta, romantism incantator si drame de familie perspicace. Este, de asemenea, un pionierat tehnic trecut cu vederea, in mare parte datorita sistemului Deep Canvas utilizat pentru secventele in care Tarzan (animat de marele Glen Keane ) ar merge „surfing” printre viile, ramurile si trunchiurile de copaci ale junglei. Deep Canvas ar permite camerei sa patrunda printr-un fundal 3D animat de computer pe care personajul animat traditional l-ar traversa. A fost o extensie sofisticata a sistemului de camere cu mai multe planuri pe care Walt l-a folosit in mod eficient in filme precum Pinocchio si, in practica, este absolut uluitoare. (Puteti vedea Deep Canvas folosit, cu moderatie, in cateva filme care au urmat, dar implementarea extensiva si artistica a acestuia este Tarzan este cu adevarat impresionanta.) Aceste inovatii tehnologice au facut productia complicata si atotcuprinzatoare (echipe din Burbank, Orlando si Paris). toate au contribuit) si rezultatul este ceva despre care puteti spune ca a fost sangerat. Este demn de remarcat faptul ca adaptarea de la Broadway, initial conceputa ca o experienta de „teatru in rotund”, este teribila.

28. Zootopia (2016)

Intr-una dintre acele intamplari fericite, cea mai perspicace si incisiva privire asupra peisajului politic care ar lasa loc colapsului prezidential din 2016 ar fi un film de animatie cu politisti, plasat intr-o lume a mamiferelor antropomorfe. Conceputa initial ca o poveste politista cu margini mai dure, Zootopia s-a reconfigurat in cele din urma ca o poveste despre prejudecati sistematice, trecand dincolo de locul tau prescris cultural si de dezamagirea care vine din expunerea unui guvern corupt cu buna stiinta. Si a facut 1 miliard de dolari . Regizorii Bryon Howard , aratand o maturitate cinematografica nemaivazuta in lucrarea sa anterioara, si Rich Moore , adaugand umorul sau tipic si cunostintele pop-culturale, au creat un univers bogat, plin de distinctie geografica si culturala, care a functionat ca un divertisment la scara larga. si o poveste incredibil de speciala si specifica despre incluziune si alteritate. (Arunca o privire pe Twitter pentru a vedea cat de mult a atins acest film pe oameni.) De asemenea, este complet hilar. Va fi interesant de vazut daca filmul isi pastreaza puterea pe masura ce referintele sale imbatranesc si (cu ceva noroc) preocuparile sale politice se estompeaza. Chiar si fara broderie, aceasta este una dintre acele povesti Disney fara varsta cu doua personaje, diametral opuse, care invata sa lucreze impreuna pentru a face fata unei preocupari mai mari. Este atat de rapid spus si minunat conceput ( Cory Loftis , artistul de dezvoltare in mare parte din spatele aspectului personajelor, este un adevarat geniu) incat, chiar daca mesajul ar fi greoi, ar fi totusi o incantare. Asteptati-va la mult mai mult material Zootopia in anii urmatori; aceasta este o lume in care Disney este foarte interesat sa se intoarca din nou si din nou. Ar trebui sa fii si tu.

27. Multe aventuri ale lui Winnie the Pooh (1977)

Aceasta colectie fermecatoare de aventuri mai scurte cu Winnie the Pooh cuprindea trei sectiuni care fusesera deja lansate in cinematografe, iar o a patra a fost creata recent pentru acest program. Aici sunt incluse, fara indoiala, cele mai faimoase povesti, inclusiv „Winnie the Pooh si copacul de miere” si „Winnie the Pooh si ziua infatisata” si, deoarece aceste trasaturi au fost deja produse, ele se lauda cu talentul unui criminal, inclusiv, dar fara a se limita. la animatori si oameni de poveste precum Ken Anderson si X. Atencio si compozitorii Richard si Robert Sherman. Este, de asemenea, citat foarte mult ca, din punct de vedere tehnic, acesta a fost ultimul film la care Walt insusi a lucrat personal, deoarece a avut o mana de lucru atat in ​​„Honey Tree”, cat si in „Blustery Day”. Multe aventuri ale lui Winnie the Pooh este, fara indoiala, cea mai emblematica si clasica reprezentare a tuturor prietenilor din Hundred Acre Wood si a navei in care au fost prezentati unui public mondial urias. (In cele din urma, compania Disney va detine in mod definitiv personajul, cumparandu-l zeci de ani mai tarziu de la mosia lui AA Milne.) In cele din urma, este anulat doar de natura pornire/oprire a structurii sale si pentru ca este un film de pachet format din material mai vechi, lansat anterior. in loc de o poveste noua, mai lunga. Asta avea sa se intample in cele din urma, dar multi, multi ani mai tarziu.

26. Hercules (1997)

Dupa ce Ron Clements si John Musker au finalizat Aladdin si Mica Sirena , doua dintre filmele de baza din asa-numita Renastere Disney, s-au intors la directori si au subliniat cat de mult si-au dorit sa faca ideea lor de Insula comorii – in spatiu (ceva propus inca dinainte de a incepe dezvoltarea pe Mica Sirena ). In cele din urma, cei de la Disney au spus bine, dar mai intai au trebuit sa mai faca un film pentru studio: o mare adaptare muzicala a lui Hercules . Acest proiect a fost un pivot dupa timpul petrecut lucrand la o versiune animata a Odiseei lui Homer . Cand Musker si Clements au preluat proiectul, si-au injectat propriile sensibilitati si obsesii unice, creand o poveste despre originea supereroilor, care este, de asemenea, o distrugere ascutita a culturii celebritatilor din anii ’90. La momentul lansarii sale, Hercules s-a chinuit sa gaseasca un public; in ciuda barajului de marketing de la Disney, cinefilii au vazut Toy Story si s-au indepartat treptat de animatia traditionala desenata manual. (Pentru a imprumuta un personaj dintr-unul dintre filmele anterioare ale lui Clements si Musker, geniul a iesit din sticla.) Hercules pare uneori de-a dreptul experimental in executia sa, de la sensibilitatile sale larg comice pana la stilizarea sa unica (cu amabilitatea ilustratorului Pink Floyd, Gerald Scarfe ) . Exista, de asemenea, cateva elemente mai putin slefuite, cum ar fi faptul ca ii lipseste o sensibilitate muzicala uniforma, de la fals gospel la Motown pana la balada traditionala in crestere si, in timp ce James Woods este un Hades grozav (livrarea lui la kilometru pe minut l-a asigurat rolul), Hercules ar fi fost de-a dreptul transcendent daca realizatorii de film si-ar fi asigurat prima alegere pentru rol: Jack Nicholson .

25. Ralph sparge internetul (2018)

Dezvoltarea unei continuare a Wreck-It Ralph a inceput in 2014, inainte ca Zootopia sa devina o situatie de tip „hands-on-deck”, ceea ce a insemnat o mare parte din echipajul Wreck-It Ralph sa faca tranzitia pentru a ajuta (acest include regizorii Rich Moore si Phil Johnston , plus personal cheie, cum ar fi genialul om de poveste Jim Reardon ). Dupa ce Zootopia s-a terminat, s-au reluat lucrarile la Ralph Breaks the Internet , nu ca lucrurile ar fi fost ceva mai putin haotice, naratiunea care implica Internetul dovedindu-se incredibil de greu de stabilit. (Ca sa nu mai spunem nimic despre data lansarii jockey-ului cu un alt proiect animat Disney, Gigantic , o poveste muzicala Jack and the Beanstalk care a fost in cele din urma abandonata.) Totusi, Ralph Breaks Internet si -a gasit calea de iesire, asa cum iti gasesti calea de iesire. a unui fir Reddit complet sau a unui videoclip YouTube de 14 minute care analizeaza istoria Halloween Horror Nights de la Universal (aceasta este o situatie total ipotetica, evident). Ralph Breaks the Internet , cel putin dupa o prima vizionare, se simte atat aglomerat, cat si linistit revolutionar. Vizualizarile ulterioare ar putea dezvalui ca este o capodopera de arta pop. Doar sa stiti asta: nu a facut-o vreodata Walt Disney Animation . Intr-adevar. vreodata .

In continuarea uriasa a modestului, fermecator si calduros nostalgic Wreck-It Ralph , Ralph ( John C. Reilly ) si Vanellope ( Sarah Silverman ) calatoresc in afara arcadei lor si in lumea haotica si hiper-stilizata a Internetului, aparent pentru a obtine o piesa de schimb pentru jocul lui Vanellope, „Sugar Rush”. Desigur, de acolo, lucrurile merg din rau in mai rau, iar naratiunea face clic activ de la o aventura la alta. Calatoresc pe dark web! Deveniti senzatii virale! Intra intr-un joc de curse hiperviolent, in stil „Grand Theft Auto”! Si, cel mai important, faceti cunostinta cu Printesele Disney intr-o scena care va va face sincer sa chicoti necontrolat. Ce legatura are unul dintre aceste lucruri cu celalalt? Sincer, nu mult. Dar siguranta cu care realizatorii de film spun povestea si verva vizuala de neegalat confera filmului o senzatie de ultima generatie. (Serios, munca de design a eroului necunoscut Cory Loftis este uluitoare; acest film l-a pus in aceeasi liga cu Eyvind Earle si Mary Blair. Lucrurile lui sunt instantaneu recunoscute si emblematice.) Ralph Breaks the Internet nu se simte ca un mare , important film de animatie Disney. Si stii ce? Este in regula. Nu o face mai putin orbitoare.

24. Encanto (2021)

In ultimul deceniu sau cam asa ceva, filmele de animatie Disney s-au jucat cu asteptarile publicului cu privire la ceea ce poate fi un film de animatie Disney, dar rareori s-a simtit la fel de plin de viata, frumos si fermecator ca in Encanto . Regizat de Byron Howard ( Zootopia , Tangled ) si Jared Bush , cea mai mare parte a filmului Encanto are loc in casa familiei Madrigal — mult mai putin expansiv decat alte filme recente precum Frozen II si Ralph Breaks the Internet , dar fara a sacrifica mizele din aceasta cauza. scara mai mica. Encanto nu are un raufacator, nu exista interes amoros, iar unul dintre personajele familiei este un compus foarte clar al printeselor Disney anterioare. Dar poate cel mai important, Encanto este concentrat pe familie ca unitate, spre deosebire de concentrarea pe unul sau doua personaje. Cu cea mai buna muzica dintr-un film Disney modern si o poveste vibranta care nu se fereste de teme mai intunecate, Encanto are chef sa vizioneze un nou clasic Disney. — Ross Bonaime

23. The Great Mouse Detective (1986)

Data exacta la care asa-numita Renastere Disney, o perioada de succes creativ si comercial care a rivalizat cu lotul initial de filme realizate de Walt Disney si animatorii sai originali, pare ca ar trebui sa fie mai mult o dezbatere decat este de fapt. Cei mai multi ar fi de acord ca lansarea Micii Sirene in 1989, dar pentru banii mei, Renasterea a inceput cu adevarat odata cu lansarea lui The Great Mouse Detective in 1986. Exista o serie de motive pentru aceasta, in principal implicarea lui John Musker si Ron Clements. , animatori care fusesera taiati din personalul de productie The Black Cauldron si, in schimb, se chinuiau cu o poveste despre soareci care locuiesc in apartamentul din Londra al lui Sherlock Holmes (bazat pe o carte a lui Eve Titus si Paul Galdone ). Acestia sunt realizatori care ar revolutiona studiourile de animatie Walt Disney, din cand in cand, fie ca a fost cu Mica Sirena, Printesa si broasca sau Moana . Acesta a fost, de asemenea, primul proiect animat Disney care a folosit pe deplin imaginile generate de computer (pentru finalul setului Big Ben). Si totusi proiectul a fost inteles gresit si subapreciat aproape de la inceput.

Noul sef Disney, Michael Eisner, a fost incurcat de proiect, considerand structura confuza si sugerand ca o melodie scrisa de Henry Mancini ar putea fi inlocuita cu o noua melodie pop de Michael Jackson (da, serios), el a trimis proiectul prin productie deoarece, cu Tonul sau usor si spumos, era diametral diferit de cea a caldarii negru chinuit si afectat de probleme . Clements si Musker s-au alaturat cu Dave Michener si Legenda Disney Burny Mattinson si au fost insarcinati sa finalizeze proiectul, ceea ce au facut, angajandu-l pe Vincent Price pentru a-l juca pe raufacator (dupa modelul fostului director Disney Ron Miller ) si insufland o inteligenta viguroasa care lipsea foarte mult din caracteristicile animate ale studioului la acea vreme, ceea ce este oarecum uimitor, avand in vedere ca bugetul filmului era de 14 USD si animatia s-a grabit (lasand pe unii sa-i critice aspectul). Dar chiar si dupa ce filmul a fost finalizat, studioul a parut sa-l submineze, redenumindu-l The Great Mouse Detective in loc de originalul Basil of Baker Street si abia comercializat. (Animatorii s-au infuriat si au vehiculat o nota infama care sugera ca alti clasici Disney sa fie redenumite intr-un mod mai literal.) Totusi, pare pregatit pentru redescoperire. La 74 de minute, filmul se misca ca o locomotiva si este plin de umor si inima. Acesta este filmul, indraznet si aventuros, atat un triumf tehnologic, cat si povestitor, care va pregati scena pentru cea mai cunoscuta Renastere Disney care va veni.

22. Inghetat (2013)

In primul rand, stiti asta: Disney nu avea idee ce fel de zdrobire avea sa fie Frozen . Walt insusi se jucase cu o adaptare a Reginei zapezii de Hans Christian Andersen cu mai bine de 70 de ani inainte ca Frozen sa fie in cele din urma produs, iar eventualii realizatori ar intelege de ce nici macar un maestru ca Walt nu a putut deslusi povestea. Au fost atat de multe iteratii ale lui Frozen , atat de multe idei aruncate si puncte de poveste, incat zece filme probabil ar fi putut fi facute doar din aceste resturi. Priviti doar marketingul filmului, care a fost modelat in mare parte de performanta slaba a Printesei si broastei ; reclamele au ascuns faptul ca era un musical cu „M” majuscule si l-au subliniat pe omul de zapada vorbitor Olaf. Si totusi, a devenit filmul cu cele mai mari incasari din istoria studiourilor de animatie Walt Disney si a dat nastere unui scurtmetraj, mai multe atractii in parcuri tematice (cea mai mare si cea mai buna este plimbare Frozen Ever After de la Epcot), un musical pe Broadway. plus un viitor sequel special si oficial, lungmetraj. Dar cu filmul? E chiar bun. Se simte cu adevarat ca un film de animatie Disney clasic, cu toata caldura si senzatiile neasteptate – plus melodiile lui Bobby si Kristen Lopez sunt grozave si insidios de captivante. De asemenea, s-a simtit cu adevarat modern, cu baze puternice feministe (furnizate in mare parte de scriitoarea si co-regizorul Jennifer Lee ), care ambele au schimbat naratiunea clasica printesa Disney, fara sa se simta lipsite de respect fata de mostenirea pe care, evident, o calca. lipsa personajelor (cea mai mare parte a filmului este petrecuta cu trei personaje; ganditi-va la zecile care populeaza Frumoasa si Bestia ), scorul subtire de gheata al lui Christophe Beck si lipsa unui raufacator Disney cu adevarat convingator, care invarte mustata. Totusi, nu ar putea fi un fenomen fara a fi fenomenal.

21. Lilo si Stitch (2002)

Produs in mare parte in secret la avanpostul Walt Disney Animation Studios din Orlando, Florida, Lilo & Stitch este cu adevarat unic. Este un film cu prieteni despre un extraterestru care se da in caine si despre prietenia lui cu o tanara fata din Hawaii cu probleme de furie. Stii, povestea aceea veche. Scrisa si regizata de echipa geniala de regizor, formata din Chris Sanders si Dean DeBlois , Lilo & Stitch este agresiv de neobisnuit, in cel mai bun mod posibil. Fondurile acuarele sunt senzationale, lucrarea personajelor sublim nuantata, iar ocolurile narative si inflorirea personajelor (cum ar fi dragostea nerusinata a lui Stitch pentru Elvis Presley ) ridica un film deja idiosincratic la statutul de clasic ciudat. (De asemenea, a fost un succes destul de mare, mai ales pentru ca a fost bugetat si produs atat de modest; au existat mai multe seriale de televiziune si sechele direct-to-video facute dupa aceea.) Dupa toate punctele de vedere, productia a fost, de asemenea, destul de buna, singurul sughit a venit cand punctul culminant al filmului, care il implica pe Stitch care pilota un avion jumbo prin orasele populate din Hawaii, a fost reanimat dupa ce imaginile au devenit prea sensibile dupa 9/11. Nu ca toata lumea ar fi un fan al filmului. Unii li s-au parut dezamagitor umorul nepoliticos (intruchipat in mod stralucit de o serie de trailere teaser in care Stitch „spargea” clasicele animate anterioare). Michael Eisner a inchis unitatea din Orlando la doi ani dupa ce Lilo & Stitch a devenit un succes, iar echipa Pixar, in special John Lasseter, a fost la fel de derutata de film si i-a lasat pe realizatori sa plece dupa ce a devenit sef al partii creative a companiei. Este pacat ca nu pot vedea cat de special este acest film cu adevarat, cat de fermecator si ciudat si profund uman este. Acesta este un film la fel de bun ca The Iron Giant sau ET si la fel de ciudat de emotionant.

20. Mulan (1998)

Dovada ca nu toate printesele Disney trebuie sa astepte pe perne cu volan pentru ca printul lor sa vina sa le salveze, Mulan (bazat pe o poveste populara chinezeasca straveche) vede personajul nostru principal imbracandu-se in targ pentru a-si salva tara de la invadarea fortelor hune. Ia acea Cenusareasa. Animat in mare parte la unitatea din Orlando, Mulan a trecut de la a fi o comedie slapstick la ceva mult mai musculos si mai adevarat la povestea originala (la ordinul artistului principal si viitorului regizor Lilo & Stitch Chris Sanders). Abordarea s-a dovedit a fi cea corecta, deoarece filmul se simte cu adevarat ca filmele de actiune cu buget mare cu care concura. Ceea ce este fascinant este modul in care Mulan incorporeaza elemente de povestire atat din Est (semanand cu filme clasice cu samurai si drame interne din Japonia), cat si din Vest (montarea sa aminteste deseori la western-urile americane, iar partitura este ca un mare musical de la Hollywood), fara sa se simta niciodata ca un amestec de elemente disparate. Datorita liniei emotionale a unei tinere femei care isi sacrifica identitatea si pleaca la razboi, pentru dragostea familiei si a tarii sale, totul sta impreuna . Este, de asemenea, incredibil de amuzant, cu personajul dragon al lui Eddie Murphy, Mushu, creatia sa animata definitiva (scuze Donkey). In timp ce Mulan era incurajator si nou cand a fost lansat pentru prima data, dupa reflectie, este si mai inovator si mai progresiv. Straniitatea filmului s-a inregistrat pe atunci (buna ziua, Harvey Fierstein este in distributie), dar in zilele noastre, filmul este celebrat ca fiind un pionierat trans. (Cititi aici minunata evaluare a dragului meu prieten Erin Oliver Whitney.)

Ceea ce este, de asemenea, izbitor, intr-o era reinnoita a varuirii uluitoare, este cat de multi actori asiatici sunt de fapt in distributie. De la portretul sensibil al lui Mulan al lui Ming-Na Wen pana la George Takei ca spirit ancestral, diversitatea distributiei este un atu imens si confera sinceritate si autenticitate filmului. Mulan arata destul de diferit de orice alt film de animatie pe care Disney l-a lansat vreodata, cu liniile sale ascutite, curbele caligrafice si design-urile grafice. Poate ca filmului i s-a acordat mai multa clementa atat din punct de vedere al designului, cat si din punct de vedere al povestirii, deoarece a fost finalizat departe de campusul principal (si de toti acei directori) din California. Majoritatea filmelor realizate la studioul satelit se simt incurajate de aceasta distanta si raman unele dintre cele mai unice creatii ale Studiourilor de Animatie. Mulan se incadreaza cu siguranta in aceasta categorie.

19. Cenusareasa (1950)

Desi este canonizat ca un clasic in zilele noastre, la acea vreme Cenusareasa era atat o intoarcere la forma, cat si o oarecare tragedie. Disney a fost incantat de proiect, iar animatorii sai au fost cu adevarat gata sa faca o alta imagine de basm sincera la bunatate. Retineti ca acesta a fost si primul lungmetraj complet animat, dupa o serie de „filme pachet”, care a fost produs de studio in aproape un deceniu. Dar pana in acest moment, un Disney din ce in ce mai distras devenise mai precaut si mai putin dispus sa-si asume riscuri. (Intregul film a fost filmat in actiune live, nu in scopuri de referinta, ci doar pentru a vedea daca filmul a functionat .) Secvente intregi au fost animate si apoi abandonate, cu bucati uriase din film reproiectate si rafinate. Produsul final este adecvat . Animatia este in regula, dar in mare parte de nememorat (probabil pentru ca animatorii, desi initial au fost entuziasti, au fost in mare parte indiferenti fata de proiect – chiar si lui Walt l-a gasit dezamagitor) si Cenusareasa nu este un personaj feminin modern din nici un fel de imaginatie. De fapt, este greu sa descrii vreuna dintre trasaturile ei personale sau functionarea interioara dincolo de faptul ca isi doreste un sot. De asemenea, Cenusareasa este destul de plictisitoare. Exista, desigur, acea magie Disney de netagaduit care nu a putut fi slefuita printr-o dezvoltare nesfarsita, iar succesul sau, atat din punct de vedere critic, cat si din punct de vedere comercial, a asigurat ca studioul va supravietui dincolo de Alice in Tara Minunilor (urmatorul film in dezvoltare ) . Walt a recunoscut la acea vreme ca, daca filmul ar fi fost un esec, intreaga companie s-ar fi prabusit; acest tip de mentalitate de spate impotriva peretelui a produs un hit, dar cu pretul simtului de experimentare al studioului. Spune ceva ca animatorii nu ar lansa o alta adaptare oficiala de zana timp de aproape un deceniu.

18. Aladdin (1992)

In timp ce Mica Sirena a fost un hit, nimic nu i-a putut pregati pe oameni pentru apelul incrucisat al lui Aladdin . A fost atat de modern . Conceput initial inainte de Frumoasa si Bestia , dar amanat pentru ca Michael Eisner era nervos sa realizeze un film de animatie care se desfasoara in Orientul Mijlociu, Aladdin este opera unui studio care arde pe toti cilindrii si a fost conceput de un numar dintre cei mai buni studiouri, inclusiv regizori. Ron Clements si John Musker, scenaristii superstar Ted Elliot si Terry Rossio si echipa muzicala a lui Howard Ashman si Alan Menken (verisierul Tim Rice a preluat conducerea dupa ce Ashman a murit tragic din cauza complicatiilor legate de SIDA la inceputul anului 1991). Acest film este uluitor de distractiv, elegant, povestit rapid si frumos animat. Este greu sa-i gasesti vina lui Aladdin , intr-adevar, dincolo de asemanarile suspecte dintre acesta si The Thief and the Cobbler , neterminat in cele din urma, al animatorului Who Framed Roger Rabbit, Richard Williams (asemanari explorate in extraordinarul documentar indie Persistence of Vision ), o versiune timpurie. a unui cantec cheie care a suferit de insensibilitate culturala acuta si de relatia destul de neplacuta pe care studioul a avut-o cu actorul vocal Genie Robin Williams dupa lansarea filmului. Acesta a fost un film care parea destinat sa fie un hit urias si a generat mai multe sequele direct-to-video, un joc video notoriu de dificil, un serial de televiziune de lunga durata, un musical pe Broadway si o viitoare adaptare live-action. Intr-adevar, soarele nu a apus niciodata pe Agrabah.

17. Mica Sirena (1989)

Propus initial in timpul uneia dintre celebrele intalniri de prezentare „gong show” de la studio, a fost respins pentru ca este prea asemanator cu Splash , un hit recent de actiune live pentru Disney care a implicat si o sirena. Realizatorul de film Ron Clements a revizuit ideea dupa ce lucrarea sa la The Great Mouse Detective a fost finalizata si, cu o prezentare mai completa, care a inclus elemente absente din pitch-ul original, a fost imediat deschisa. Curand, Alan Menken si Howard Ashman, dinamo de Broadway cu o afectiune clara pentru toate lucrurile Disney, au fost adusi la bord atat pentru muzica, cat si pentru a contribui la modelarea povestii neplacute, adaptata vag din povestea Hans Christian Andersen cu acelasi nume. Filmul rezultat a fost un clasic instantaneu care a reinviat marca de animatie Disney intr-un grad aproape insondabil. Deodata, unitatea de animatie a companiei a fost din nou cool si, cu atractivitatea culturala larga, evaluarea critica si succesul comercial, Mica Sirena a fost trambitata ca fiind la fel de buna ca acele filme originale care au fost supravegheate personal de Walt Disney insusi. Si este Disney clasic, in sensul ca au ramas si niste tropi discutabile din acele filme mai vechi care se simt oarecum deplasate intr-un cadru contemporan. In primul rand, Ariel, ca personaj, nu face nimic in afara de a aduna gunoaie umane si tanjeste dupa un barbat uman, ceea ce este atat de dezamagitor, avand in vedere determinarea ei de cremos, natura cu spiritul liber si curiozitatea. Sigur, ea vrea sa fie acolo unde sunt oamenii. Si?

16. Doamna si vagabondul (1955)

Dezvoltat initial inca din 1937 dintr-o idee a lui Ward Greene , a carui companie a distribuit benzile populare de desene animate Mickey Mouse, a fost abandonat (ca atatea alte proiecte) din cauza implicarii studioului in cel de-al Doilea Razboi Mondial si a fost reintrodus in productie doar la Roy’s. cerere. Filmul rezultat este fermecator si confortabil, cu personaje complet definite si animatie somptuoasa pe ecran lat, care a fost conceput special pentru expozitia Cinemascope. Pentru un film animat meticulos si destinat unui mare ecran, este incarcat cu o poveste surprinzator de simpla, povestea unui caine elegant care se indragosteste de un vagabon dezgustator. Exista cateva melodii indraznete si cateva momente minunate (una dintre ele, Lady iesind dintr-o cutie de palarii in dimineata de Craciun, a fost inspirata dintr-un moment real din viata lui Walt, cand i-a daruit sotiei sale Lillian un catelus exact in acelasi mod) care nici macar lucruri precum pisicile siameze extrem de ofensive nu o pot trage cu adevarat pe Lady si Vagabondul in jos.

15. 101 dalmati (1961)

Cu Walt intins subtire, atat din punct de vedere creativ, cat si financiar, cureaua a trebuit sa fie stransa mai mult pe caracteristicile animate. Pentru 101 Dalmatians , un proiect al carui titlu practic striga „ambitie salbatica”, ei au gasit raspunsul in procesul de xeroxgrafie, care a vazut liniile animatorilor copiate direct pe celulele de animatie din plastic transparent . (A fost prima data cand animatorii si-au vazut de fapt liniile pe ecran inainte, din moment ce au fost intotdeauna pictate in procesul de productie.) Acest lucru a permis, printre altele, animatorilor sa nu fie nevoiti sa picteze puncte pe toti dalmatii. ; au fost doar copiate de la un cadru la altul. (De asemenea, a dat animatiei o textura mai aspra, mai zgarietura, ceea ce imi place destul de mult, dar altii de la studio au considerat neelegant si distrag atentia.) In timp ce povestea lui 101 dalmati este in mare parte de uitat (gatita de incomparabilul Bill Peet dintr-un roman pentru copii al lui Dodie Smith ), personajul sau principal, Cruella de Vil, complet cu propria ei melodie tematica (una dintre cele trei melodii din film), este gravata in memoria fiecarui copil care o vede. Ea este unul dintre cei mai adevarati raufacatori Disney, guvernat doar de lacomie si vanitate, cu un aspect iconic (portul acela de tigara!) potrivit pentru petrecerile de Halloween si spectacolele de drag deopotriva. Cruella de Vil, nu adorabilii catelusi patati, ii face pe 101 dalmati sa tipe.

14. Printesa si broasca (2009)

Cel mai controversat film animat Disney din ultimele decenii este, de asemenea, unul dintre cele mai bune. Cand The Princess and the Frog a fost anuntata initial, se numea The Frog Princess , personajul principal era un afro-american pe nume Maddy si, in loc de un restaurator in devenire, era o camerista care lucra pentru o fata alba rasfatata. Strigatul a fost rapid si vicios si Disney a inceput imediat sa corecteze cursul, indepartandu-se de problemele problematice, potential incarcate, care au fost aduse in discutie in nenumarate articole de opinie si postari de blog, catre ape mai calme si mai lin. Sincer, a diluat o parte din distractia filmului Ron Clements si John Musker (Charlotte a fost mult mai distractiva cand era unul dintre raufacatori), dar oricum au reusit sa scoata un nou clasic, chiar daca primul Disney afro-american. Printesa este doar o printesa timp de aproximativ cincisprezece secunde inainte de a fi transformata intr-o broasca.

Totusi, filmul (ultimul basm animat in mod traditional – pana acum) este atat de bogat si plin de satisfactii si de iubitor. Amplasat in bayou-ul din Louisiana, practic emana atmosfera, completat cu numere muzicale picante Cajun de Randy Newman , care sunt mai inflacarate decat New Orleans Jambalaya si o distributie de personaje secundare vrajitoare, inclusiv un aligator iubitor de jazz (animat de marele Disney Eric Goldberg) si licurici bolnav de dragoste. Are, de asemenea, unul dintre cei mai mari raufacatori vreodata, sub forma Dr. Facilier ( Keith David ), un vrajitor care vorbeste lin, ale carui vraji si incantatii voodoo il inving. (A devenit un element de baza al festivitatilor anuale de Halloween din Parcurile Disney.)

Cand am fost la o proiectie de presa a filmului cu putin timp inainte de a fi lansat, intr-un teatru din Times Square, publicul a izbucnit in aplauze dupa fiecare numar muzical. A fost magic . Ceea ce a fost mai surprinzator decat supletea numerelor sale muzicale a fost sinceritatea si onestitatea pe care a tratat subiecte de rasa si istoria americana. Disney a avut probleme in trecut cu rasa in filmele sale animate, de la sectiuni discutabile din Fantasia (eliminate ulterior) la corbii din Dumbo (interzise de la orice marfa) pana la aproape toata animatia/actiunea sa hibrida Song of the South. (incuiat in seiful Disney). Aceasta s-a simtit ca o corectie uriasa a cursului, nu in mod deschis corecta din punct de vedere politic, dar sensibila si sincera. Clements si Musker sunt unii dintre cei mai buni realizatori de film care lucreaza astazi, in animatie sau altfel, iar atingerea lor usoara si directia asigurata fac toata diferenta. In timp ce box office-ul a fost mai bland decat era de asteptat (a castigat 267 de milioane de dolari la nivel mondial, comparativ cu un miliard de dolari castigat de Frozen ), Tiana si-a luat locul printre Printesele Disney (are mai multa seriozitate si hotarare decat majoritatea dintre ele) si intr-o zi The Printesa si broasca vor fi privite la un clasic animat Disney rece ca piatra.

13. Peter Pan (1953)

Dupa succesul filmului Alba ca Zapada si cei sapte pitici , fratele lui Walt, Roy, a plecat in Europa pentru a-si asigura drepturile internationale asupra mai multor productii viitoare. Roy s-a intors, de asemenea, cu un acord pentru a adapta Peter Pan al lui JM Barrie ca lungmetraj de animatie. Totusi, productia filmului va continua, in mod repetat, timp de mai bine de un deceniu. Faimosul Walt i-a cerut unuia dintre regizori sa lucreze la storyboard-uri si, dupa ce i s-a prezentat sase luni de munca, Disney a replicat ca, in schimb, se gandise mult la Cenusareasa . Intregul film a fost filmat cu actori de actiune live, desi, in mod fascinant, el a folosit aceiasi actori care, in cele din urma, vor oferi vocile personajelor. In cele din urma, filmul a fost terminat fara prea multa contributie din partea lui Walt, care si-a indreptat atentia catre alte aventuri (filme de actiune live, un fel de complex de divertisment tematic in Anaheim) si a fost atat un succes critic, cat si financiar. Privind retrospectiv, acesta este filmul Disney perfect, povestea unui barbat care nu doreste sau nu poate sa se maturizeze, cuibarit intr-o lume fantastica a propriei inventii si care incearca cu furie sa depaseasca o creatura simbolizata de un ceas care ticaie. Este plin de genul de magie Disney care a lipsit in anii precedenti, dar care se intorcea in companie si si-a luat locul printre cele mai bune lucrari pe care studioul le-a facut vreodata, poate in parte din cauza nostalgiei si a amintirilor frumoase. a atractiei Parcurilor Disney cu acelasi nume. (Cantecele, in cea mai mare parte scrise de textierul Sammy Cahn , ajuta si ele.) Da, exista unele caracterizari indoielnice care acum par a fi o neglijenta grosolana, dar nu sunt la fel de dezagreabile ca unele dintre celelalte insensibilitati rasiale sau etnice ale Disney. Poate ca asta se datoreaza faptului ca lumea lui Peter Pan este redata cu o astfel de vitalitate a cartilor pop-up. Este un loc in care un raufacator precum Capitanul Hook poate fi atat terifiant, cat si twee, in timp ce personaje precum Pixie Tinker Bell pot fi atat captivante, cat si dragute. Deci, in acest spatiu, nativii americani pot fi caricaturi si, cumva, personaje pe deplin realizate. Sau poate ca Pixie Dust vorbeste.

12. Cartea junglei (1967)

A lua povestile lui Rudyard Kipling si a le transforma intr-un lungmetraj a fost o propunere riscanta si, din toate punctele de vedere, productia Cartea junglei a fost incredibil de dificila. Lui Walt nu-i placea natura dezbinata a naratiunii, desi luandu-si indiciul dintr-o serie episodica de povesti ar avea intotdeauna rezultatul respectiv, dar a apreciat deciziile indraznete de casting (in special interpretarea bautura si buna a lui Phil Harris a lui Baloo) si caracterizarile (acestea sunt adesea citate drept unele dintre cele mai bune personaje animate din istorie). Una dintre cele mai faimoase schimbari de ultima ora a venit atunci cand Walt, sigur ca Beatles erau doar un moft trecator, dar vandut pe atemporalitatea muzicii cvartetului de frizerie, a schimbat melodiile cantate de vulturi. (Daca ar sti.) Filmul rezultat, care a folosit tehnologia Xerox folosita pentru 101 dalmati , este fermecator si stralucitor, prezentand unele dintre cele mai bune melodii Disney pana in acel moment (scrise de compozitorii Terry Gilkyson si echipa lui Robert si Richard Sherman ). Este regretabil ca dulceata inerenta a filmului ii rapeste uneori o senzatie de periculozitate; chiar si tigrul malefic este prea flexibil si baroc pentru a fi o mare amenintare.

11. Winnie the Pooh (2011)

Daca vrei sa stii cum poti ucide cu succes un lungmetraj animat (si cum ai zdrobit productia traditionala de animatie din studio), ia o pagina de la fostul director Disney Dick Cook, a carui nemultumire fata de Winnie the Pooh l-a determinat sa-si programeze lansarea interna impotriva nebunului de asteptat Harry Potter si Talismanele Mortii – Partea a 2-a . Da. Daca nu ati vazut niciodata acest film (sau chiar ati auzit de el), probabil de aceea. Initial conceputa ca o intoarcere la „filmele pachet” de odinioara, cu mai multe povesti preexistente despre Winnie the Pooh, alaturi de filme noi, domeniul de aplicare a fost largit si ambitia a crescut. Filmul final este un film nou-nout, cu cantece umilitoare ale compozitorilor Bobby si Kristen Lopez (inainte de lucrarea lor inovatoare pe Frozen ) si o poveste care i-a implicat pe Winnie the Pooh si restul gastii Hundred Acre Wood fuga de un infricosator. fiara imaginara numita The Backson (complet cu o secventa muzicala adorabila). Direct, Winnie the Pooh este uimitor. O parte din aceasta se datoreaza faptului ca a prezentat lucrari delicate ale unora dintre cei mai talentati animatori traditionali ramasi ai studioului (inclusiv Andreas Deja , Eric Goldberg si Mark Henn ), care au actualizat design-urile si manierele, dar nu au tradat niciodata ceea ce a aparut inainte. Si aceasta este intr-adevar magia filmului – mentinerea mostenirii atat a personajelor, cat si a iteratiilor animate anterioare, simtindu-ne cu totul contemporan si a momentului. Nu a fost o intoarcere infundata. A fost vibrant si viu, fluid si primitor, atat un punct culminant, cat si o extensie a unuia dintre cele mai indragite marci din grajdul Disney. Deoarece atat de multi oameni l-au ratat prima data, este imbucurator sa auzi cand oamenii il descopera. Winnie the Pooh este o capodopera pierduta si, ca ultimul lungmetraj animat traditional din studio (pana acum), un final potrivit si dulce-amarui pentru un al doilea act pe care nimeni nu l-a vazut sa vina.

10. Moana (2016)

In timp ce Zootopia a facut curatenie la box office si a luat acasa Oscarul pentru cel mai bun film de animatie, Moana devenea in liniste un clasic. (Intrebati pe oricine cu un copil ce film urmareste copilul lor mai mult.) Primul film animat complet pe computer al lui Ron Clements si John Musker (cu ajutorul realizatorilor Big Hero 6, Don Hall si Chris Williams, care sunt creditati ca co-regizori) este un realizare uluitoare. Amplasata pe o insula mitica din Pacificul de Sud, Moana spune povestea unei tinere fete a carei sete de aventura se ciocneste cu batranii ei de pe insula (care se intampla sa fie si parintii ei). Curand, ea porneste in mare deschisa pentru a-l salva pe semizeul care schimba forma Maui ( Dwayne Johnson , perfect) si a returna un obiect magic in casa lui de drept si a restabili echilibrul insulelor. Ea este altruista si eroica, iar faptul ca este un copil (si Maui este o zeitate nemuritoare) inseamna ca povestea nu se blocheaza niciodata in dinamica relatiei vointa-ei-nu vor-ei. In schimb, este o aventura maritima simpla, cu o secventa de actiune pe care George Miller ar gasi-o impresionanta, numeroase creaturi si melodii cu versuri scrise in comun de mintea lui Hamilton , Lin-Manuel Miranda . Clements si Musker, inca intelepti de experienta lor dureroasa in realizarea „ Pritesa si broasca” , au facut eforturi mari sa se asigure ca filmul este corect din punct de vedere cultural. Acea sensibilitate nu face decat sa imbunatateasca povestea si sa nu indeparteze niciodata nimic. Moana se simte atat atemporala, cat si fara suflare acum , cu unele dintre cele mai uimitoare animatii pe care studioul le-a produs vreodata (efectele oceanului, cu caracterizarea si personalitatea sa blanda, sunt suficiente pentru a-ti face falca sa loveasca podeaua). Desi nu este un succes atat de mare pe cat se astepta studioul, Moana este unul dintre acele filme care in cele din urma se va arata ca unul dintre semnele distinctive stralucitoare ale intregii liste de film.

9. The Hunchback of Notre Dame (1996)

Chiar si astazi, acest lucru pare riscant: o adaptare muzicala gotica animata a piesei The Hunchback of Notre Dame a lui Victor Hugo , care pastreaza majoritatea imaginilor religioase si metaforelor sexuale din original, reducand doar putin violenta. Si totusi, este unul dintre cele mai frumoase si sfasietoare filme de animatie Disney vreodata, un triumf al emotiilor supradimensionate si al imaginilor opulente, regizat cu fler si brio de echipa Frumoasa si Bestia formata din Gary Trousdale si Kirk Wise . Quasimodo (cu vocea lui Tom Hulce ) este un proscris in modelul traditional Disney, dar, datorita deformarilor sale fizice, este si ceva mai disperat si mai ciudat. (Nu este surprinzator faptul ca Michael Eisner, seful Disney care s-a simtit intotdeauna urmarit pe nedrept, s-a identificat cu cocosatul.) Cocosatul de la Notre Dame a supravietuit unei perioade dificile de productie, marcata de plecarea acrimonioasa a sefului de animatie Jeffrey Katzenberg, desi animatorii nu au facut-o. par prea suparat de iesirea sa – personajul central Phoebus are o barba pentru ca Katzenberg a interzis anterior personajele Disney cu par facial. De fapt, elementele mai extreme ale filmului (cum ar fi secventa muzicala „Hellfire”, dedicata exclusiv rautatii poftei sexuale) s-au datorat probabil faptului ca realizatorii de film nu au fost la fel de puternic supravegheati ca in timpul regimului Katzenberg. Filmul rezultat are o serie de sanse, atat din punct de vedere al povestirii (garguile care vorbesc!), cat si din punct de vedere tonal (deseori se indreapta spre prostie chiar si in momentele de tandrete extrema), si ar trebui privit alaturi de Frumoasa si Bestia, ca pe cei mari . , extravagante animate frumoase, baroc.

8. Alba ca Zapada si cei sapte pitici (1937)

Acesta este cel care a inceput totul. Pana in acest moment, a fost cel mai mare pariu al lui Walt – un lungmetraj animat, expus in cinematograf in culori. Cand Disney facea filmul (bazat vag pe un basm al fratilor Grimm), cei care nu au spus-o s-au referit la el drept „Nebunia lui Disney”, in mare parte din cauza costului sau exorbitant si a programului lung de productie. Dar cand filmul a fost lansat in sfarsit in 1937 a fost o senzatie . Nimeni nu mai vazuse ceva asemanator pana acum, dar, mai important, nimeni nu simtise nimic asemanator. Acesta este un film plin de emotie, design, miscare, culoare si muzica. Alba ca Zapada si cei sapte pitici este un film animat, pana la capat. Desi filmul nu rezista la fel de bine astazi (Alba ca Zapada insasi este un personaj incontestabil pasiv, iar ritmul poate fi lent si serpuitor), este inca in mod inerent iubitor si uimitor. Cand oamenii il numesc pe Walt Disney un vizionar, iata ceea ce vor sa spuna – ca a fost capabil sa vada ceva pe care nimeni altcineva nu l-ar putea vedea si sa forteze acel ceva sa existe. Alba ca Zapada si cei sapte pitici au socat si incantat intreaga lume si de fiecare data cand exista un nou film canonic „Pritesa Disney”, acesta este masurat in raport cu acesta.

7. Regele Leu (1994)

Pana la Regele Leu , fiecare film de la Walt Disney Animation Studios se bazase pe un fel de material preexistent, ceea ce a facut din film un teritoriu cu adevarat neexplorat. In acelasi timp in care filmul a intrat in productie, o alta piesa, mult mai prestigioasa ( Pocahontas ), se pregatea. Animatorii aveau de ales cu privire la ce film doreau sa lucreze; deloc surprinzator, echipajul The Lion King a fost mai scazut si mai lipsit de experienta. O parte din lucrari au fost predate studioului prin satelit din Orlando pentru a ajuta la finalizare. Si, dupa cum se dovedeste, Regele Leu , mai bine de 20 de ani mai tarziu, a fost micul film care ar putea. Luand o abordare mai realista a animalelor animate pe care Bambi a intruchipat-o cu decenii mai devreme, sprijinindu-se puternic pe liniile dramatice largi ale unei tragedii shakespeariane si apeland la o veritabila vedeta pop sub forma lui Elton John pentru melodiile filmului, toate par niste decizii care, pe cont propriu, sunt profunde si noi si impreuna se simt imprevizibili si total geniali. Regizorii Roger Allers si Rob Minkoff au creat o combinatie mitica grandioasa, care este, de asemenea, profund identificabila. Aceasta este o poveste despre tati si fii, despre pasirea in maturitate si asumarea locului tau (chiar daca acesta este pe tron) si permiterea procesului de auto-descoperire care te diferentiaza de cei care au venit inaintea ta. Gandit initial ca o poveste mai intunecata numita Regele junglei (condusa de regizorul Oliver & Company, George Scribner ), filmul s-a transformat in cele din urma in ceea ce a devenit, o epopee extrem de emotionanta, profund dinamica si adesea hilara, care inca starneste si entuziasmeaza la fel de mult ca a facut-o cand a fost lansat pentru prima data. S-ar putea sa fi fost vazuta ca o productie nefavorabila, dar a devenit in curand una dintre cele mai valoroase si indragite francize din portofoliul companiei, generand un musical pe Broadway cu incasari de un miliard de dolari, mai multe seriale, filme direct-to-video si o cantitate incalculabila de animale de plus. Regele Leu a aratat ca studioul ar putea face tot posibilul pentru a crea un hit, dar ca uneori regii nu sunt facuti, ci se nasc.

6. Dumbo (1941)

Oamenii se plang de faptul ca in zilele noastre filmele se bazeaza pe blocuri de constructie sau pe hieroglife iPhone, dar materialul sursa al lui Dumbo era la fel de ciudat si nu comercial. S-a bazat pe un prototip de jucarie numit „Roll-A-Book”, in care povestea se derula literalmente pe masura ce o intorceai. Desi nu a declansat, povestea a fost ambalata intr-o carte subtire pentru copii, pe care Walt a gasit-o atragatoare atat pentru simplitatea ei (a crezut ca productia nu se va pierde in dezvoltarea iterativa), cat si pentru amploarea ei (a descris-o). ca un „desen animat drept evident”). Acest lucru a fost bun din doua motive: productia putea avansa fara obstacole evidente si, mai important, o putea face la ieftin. La doar 64 de minute, Dumbo este mai scurt decat majoritatea dramelor de prima audienta, dar in acea perioada, are un hohot. Pentru un film atat de simplu, realizat la un cost atat de mic, este incredibil cat de multa emotie au inclus Walt si animatorii sai in fiecare cadru si cate sanse are filmul, atat tonal, cat si estetic, in acel scurt timp de rulare. Ganditi-va la momentul cu nodul in gat cand mama lui Dumbo este sechestrata, ajungand la trunchi prin gratii sau la suspansul extrem al secventei de stingere a incendiilor. Si, desigur, exista secventa „Pink Elephants on Parade”, un cosmar caleidoscopic care este, de asemenea, unul dintre cele mai grozave lucruri care au aparut vreodata de la Studiourile de Animatie Walt Disney. O parte din motivul pentru care filmul este atat de agitat si creativ este ca multi dintre animatorii mai experimentati au participat la alte proiecte precum Bambi , care a lasat mintile mai tinere si mai salbatice pe Dumbo . (Un alt fapt amuzant, Walt s-a intors din influentul sau turneu de bunavointa in America de Sud pentru a participa la premiera filmului din New York.) Pentru un astfel de desen animat fara probleme, Dumbo este complex tematic si devastator emotional. A existat chiar si un argument conform caruia corbii, care au nuante rasiale incomode de care compania s-a distantat, sunt mari aliati pentru Dumbo, deoarece sunt ei insisi proscrisi sociali.

5. Frumoasa si Bestia (1991)

Walt insusi s-a gandit sa monteze o versiune animata a basmului clasic, dar a considerat ca ideea este redundanta dupa ce a vazut adaptarea lirica a lui Jean Cocteau . Dupa succesul filmului Who Framed Roger Rabbit , Disney a vrut ca animatorul Richard Williams sa conduca o noua interpretare a materialului, Williams refuzand si trimitandu-le in schimb colegului sau, animatorul britanic Richard Purdum . „Versiunea Purdum” (cum era cunoscuta) a fost proiectata pentru seful animatiei Jeffrey Katzenberg la studioul prin satelit din Orlando si ulterior a fost casata. Katzenberg i-a desemnat in schimb pe Gary Trousdale si Kirk Wise , care lucrasera recent pentru atractia Cranium Command a companiei la pavilionul Wonders of Life al EPCOT (acum disparut) sa preia conducerea si i-a ales pe Howard Ashman si Alan Menken sa se ocupe de melodiile filmului si sa ofere elemente de poveste suplimentare. . (Productia il vizita adesea pe Ashman, care murea incet de SIDA, la casa lui din nordul statului New York.) Daca Mica Sirena si Aladdin ar fi stabilit ca aceasta este o noua era de aur a filmului de animatie Walt Disney, atunci Frumoasa si Bestia l-a cimentat.

Pentru a imprumuta fraza dintr-un alt clasic Disney, este practic perfect din toate punctele de vedere. Caracterizarile sunt profund simtite (si exista atat de multe personaje), cu Belle ca o ingenua incapatanata si Beast ca rapitor ei dezechilibrat emotional, yin si yang perfect care nu se simte niciodata infiorator sau absurd. Stilul artistic al filmului este in mod corespunzator grandios si ambitios; era grav, fara sa para vreodata sumbru. Cand o versiune in curs de desfasurare a filmului a aparut la Festivalul de Film de la New York (ceva despre care nu se mai auzea la acea vreme), acesta a primit ovatie in picioare. A continuat sa devina primul lungmetraj de animatie care a fost vreodata nominalizat la Oscarul pentru cel mai bun film (celelalte doua au fost incluse doar odata ce campul s-a extins la mai multi potentiali nominalizati), recunoscut de public si critici deopotriva drept ceva inconfundabil de special. In anii care au urmat, Frumoasa si Bestia a imbracat mai multe forme (musical de pe Broadway zdrobitor, remake-ul live-action la fel de zdrobitor), dar originalul din 1991 ramane iteratia sa cea mai pura din punct de vedere artistic.

4. Bambi (1942)

Unul dintre filmele care ar fi putut fi primul lungmetraj animat al studioului, Bambi a ajuns sa fie ceva care a fost pus pe planul de cativa ani, deoarece Walt era ingrijorat ca animatorii nu sunt inca capabili sa surprinda texturile naturaliste ale povestii. Pana la momentul in care filmul a fost pus in sfarsit in productie, Walt era in siguranta cu talentele animatorului, in special semnand unele dintre favoritele sale pentru sarcini specifice, cum ar fi animatia de fundal sau lucrarile cu efecte speciale. Walt a fost, de asemenea, foarte inspirat de propriile sale filme True-Life Adventures (au inventat practic documentarul despre natura), facand eforturi pentru tot mai mult realism. In filmul final il poti simti pe Walt impingandu-se pe sine si pe animatorii sai in pozitii noi si incomode, asa cum a facut cu Fantasia si asa cum va continua sa faca atata timp cat mediul l-ar fi interesat (ceea ce sincer nu a fost atata timp cat te-ai astepta). Acea atentie care a cerut tot ce este mai bun din fiecare detaliu poate fi simtita in fiecare cadru Bambi . Nu numai ca arata uimitor ( Tyrus Wong , care a murit recent, a fost responsabil pentru fundalurile impresioniste care au favorizat emotia in detrimentul specificului), dar se simte si diferit de orice altceva. Natura episodica a materialului sursa a fost simplificata in sezoane; uciderea traumatizanta a mamei lui Bambi (mult mai groaznica si mai grafica in versiunile timpurii ale povestii) are loc in timpul ninsoarei linistite ale iernii, Bambi intalneste noi prieteni odata cu inflorirea primaverii etc. O mare parte din film este transmisa vizual, in timp ce animalele vorbesc ca sunt mai putin antropomorfe si mai mult ca expresii exterioare ale personalitatii animalelor reale. Si, din fericire, nu poarta haine. In timp ce filmul a fost o dezamagire financiara si critica, Walt era inca mandru de progresele facute de animatorii sai. Pare imposibil ca cineva sa fi ignorat maiestria, creativitatea si aventurozitatea artistica a lui Bambi . Aproape nimeni nu o face acum.

3. Fantasia (1940)

Bun venit la filmul cap al lui Walt Disney. Inca din scurtmetrajele „Silly Symphonies”, Walt visase sa faca ceva mai mare si mai maret, ceva la care s-a referit ca The Concert Feature . In vara anului 1937, cu putin timp inainte de lansarea filmului Alba ca Zapada si cei sapte pitici , a initiat o conversatie cu renumitul compozitor Leopold Stokowski , cu care intretisese o prietenie ocazionala. Initial, ideea a fost sa faca un scurtmetraj muzical bazat pe „Ucenicul vrajitorului” de Paul Dukas , dar au vorbit despre realizarea The Concert Feature . Pana cand au fost pregatiti sa faca scurtmetrajul, Disney decisese deja ca nu va fi decat un nod intr-un proiect mai amplu si mai ambitios; Stokowski avea sa conduca filmul si sa apara in ea. Acesta a fost un film despre care Walt le-a spus in mod privat animatorilor ca va „schimba istoria filmelor”.

Si nu semana cu nimic niciodata. Chiar mai mult decat Alba ca Zapada si cei sapte pitici , acesta a fost un experiment de ultima ora. Walt a fost tulburat de procesul de dezvoltare a unora dintre filmele anterioare si s-a simtit eliberat de faptul ca Fantasia (cum era cunoscuta in cele din urma) va fi practic fara intriga. El a dezvoltat un sistem de sunet inovator si costisitor numit Fantasound, care preia elementele inregistrate individual ale partiturii si le prezenta prin difuzoare separate, creand o experienta de sunet surround captivanta inainte ca o astfel de tehnologie sa fie obisnuita. Acest lucru a fost consumator de timp si costisitor. Filmul rezultat este o capodopera; de la Mickey in palaria vrajitorului din „Ucenicul vrajitorului” la ciupercile dansatoare din „Suita Spargatorul de nuci” pana la demonicul Chernabog din „Noaptea pe muntele chel”, este o colectie de imagini si momente care, datorita combinatiei sale brute de imaginea si sunetul sunt fixate mai succint in creierul tau.

Din pacate, filmul a avut performante comerciale slabe, iar anul urmator, in timp ce a acceptat premiul Memorial Irving G. Thalberg la Oscar, Walt si-a cerut scuze in lacrimi: „ Fantezie, intr-un fel simt ca ar trebui sa am o medalie pentru curaj sau ceva. facem greselile noastre, stiu, dar a fost o greseala sincera. Dar asta, asta este prea mult.” El a continuat, spunand ca s-ar „rededica” idealurilor si a simtit ca premiul a fost onorat pentru „eforturile constiincioase din trecut, greselile sincere”. (Este graitor ca filmul nu va avea profit pana la relansarea in cinematografe din 1969; pana atunci contracultura ajunsese la sold la aspectele mai groovy ale Fantasiei .) Walt nu numai ca fusese obsedat sa faca din Fantasia un eveniment de ultima ora, dar sperase, de asemenea, sa continue filmul la fiecare cativa ani, cu noi segmente animate fiind schimbate. Nu vom avea o continuare pana la inegalitatea Fantasia 2000 .

2. Frumoasa adormita (1959)

Luati in considerare acest lucru: Castelul Frumoasa Adormita, piesa centrala a ambitiosului parc al lui Walt Disney, a fost deschis impreuna cu restul Disneylandului in 1955. Castelul a fost conceput ca un fel de cascadorie promotionala de dimensiuni mari pentru Frumoasa Adormita, un film de animatie ambitios care, in cele din urma, va ramane mult in urma . programul, iar expozitia din castel, cu oaspetii calcand in picioare de diorame care jucau din momente cheie din naratiune, ar servi ca un fel de evolutie vie a povestii filmului de animatie. Cei care au vizitat castelul in anii dinaintea lansarii filmului in 1959 ar vedea scene sterse sau secvente abandonate complet dezvoltate. Data viitoare cand mergeti la Disneyland, plimbati-va prin Castelul Frumoasa Adormita si ganditi-va la expozitia sa vie in curs de desfasurare.

Este perfecta, de asemenea, deoarece Frumoasa Adormita este un astfel de triumf estetic. Aceasta este animatia Walt Disney la cea mai frumoasa si mai extinsa. Filmul animat de basm a fost adormit de aproape un deceniu (de la frumoasa dar subtire Cenusareasa ) si acum a revenit in mare masura . Frumoasa Adormita a fost fotografiata pe ecran lat anamorfic utilizand formatul de film de 70 mm, ceea ce insemna ca animatorii desenau si pictau pe bucati de hartie mari cat cearsafurile de pat; Walt a descris-o drept „cel mai ambitios film al nostru de pana acum”. Toata aceasta opulenta a fost menita sa combata stilul emergent de animatie UPA, care a favorizat modernizarea grafica si lucrul simplu in linie pentru a crea lucrari izbitoare si de nesters.

Ceea ce face din Frumoasa Adormita un astfel de clasic are de-a face in mare masura cu opera lui Eyvind Earle, un pictor care lucrase la Peter Pan si ale carui picturi unghiulare ar servi drept principiu stilistic calauzitor al filmului. Acesta este cel mai frumos film cu printesa Disney si cel mai distinct vizual. Are, de asemenea, cel mai mare raufacator Disney din toate timpurile, sub forma lui Maleficent, care, inainte ca Angelina Jolie sa-i dea o schimbare simpatica, s-ar declara cu bucurie „Stapana raului”. Frumoasa Adormita este o realizare colosala si ar trebui sa fie aplaudata nu doar pentru stilizarea sa eleganta, ci si pentru ambitia sa narativa; acesta este un film in care personajul principal cade in coma pentru o mare parte a filmului. Este o povestire curajoasa, la fel de ambitioasa si fascinanta ca oricare dintre florile sale vizuale.

1. Pinocchio (1940)

Asta este: alfa si omega, nu numai ale animatiei de lungmetraj Walt Disney, ci si ale animatiei in general. Este usor sa-i iei maretia de buna, dar Pinocchio a fost doar al doilea lungmetraj animat din istorie . Artistii si animatorii pe care ii consideram talente legendare erau abia la inceput, experimentand la nesfarsit moduri de animatie si tehnici de ultima ora (cum ar fi sistemul de camere cu mai multe planuri care dadea iluzia profunzimii, ca o platforma 3D prototip si utilizarea extensiva a animatie cu efecte). Acest film a fost o intreprindere incredibila, cu bucati mari din poveste si personaje intregi fiind drastic modificate si reproiectate ( Freddy Moore a trebuit sa inmoaie designul original al lui Pinocchio si sa-l faca mai putin, aa, infiorator ). Cand Pinocchio a fost lansat in cinematografe in 1940, a fost primit cu caldura de critici, dar bombardat la box office. (O alta zbarcitura neprevazuta: cel de-al Doilea Razboi Mondial a taiat efectiv pietele profitabile din Europa si Asia.) Destul de curand si-a castigat banii inapoi si este in mare parte considerata clasicul (a fost primul lungmetraj animat care a castigat premii Oscar competitive).

Din punct de vedere al designului, filmul este de neegalat; Gandeste-te doar la cate peisaje si locatii vizitam, de la orasul germanic in care Stromboli isi tine spectacolele de papusi pana la fantasmagoria de cosmar din Insula Placerilor (si tot ce se afla intre ele). Pinocchio este un film de animatie cu totul fantastic, dar prezinta cateva momente de realism transcendent, atat in ​​ceea ce priveste fluiditatea animatiei, cat si intensitatea emotionala. (De asemenea, din fericire, situatiile si temele mai „adulte” nu se indreapta niciodata in zone incomode ale stereotipurilor rasiale.) La fel ca cele mai mari basme, este relativ simplu si moralist, dar ramane cu tine mult timp dupa ce auzi povestea. Exista un motiv pentru care „When You Wish Upon a Star” a devenit piesa tematica neoficiala nu doar pentru animatia Disney, ci si pentru companie in ansamblu; este atat de evocator si magic.